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Duos, collaborations

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Collaboration et co-création entre artistes : duo, groupes, collectifs en arts plastiques du début des années 1960 à nos jours. Les années 1970 et 1980 voient émerger, ou du moins se démultiplier et s’affirmer, les duos d’artistes : en couple, en fratrie ou de nature amicale, des associations se forment dans un contexte de libéralisation des mœurs en élargissant la notion d’atelier. Dès 1961, Christo et Jeanne-Claude créent leur première œuvre, Dockside Packages, en installant des barils de pétrole dans le port de Cologne, même si, à l’époque, celle-ci reste signée du seul Christo. On ne peut s’empêcher d’évoquer un précédent historique et emblématique, celui d’Auguste Rodin et Camille Claudel, qui œuvrent ensemble pour la création de Frère et Sœur, signé de Rodin en 1890 dans un contexte de commande qui demeure encore très personnel.

Certains couples sont si fusionnels qu’il est impossible de savoir quelle est la part de chacun. Gilbert Proesch et George Passmore (« Gilbert & George »), entretiennent, à dessein, la confusion à cet égard. Jeu avec les ambiguïtés Pratique du « cache-cache » et faux-semblants. Glossaire duos collaboration. Duos : dossier spécial Beaux arts magazine 2007. Saint-Phalle et Tinguely : la fontaine Stravinsky. La vie du quartier Depuis trente ans, le Centre Pompidou apporte sa contribution à la vie du quartier, entre les boutiques du Marais, le centre commercial des Halles, les églises Saint-Eustache et Saint-Merri, les cafés et les rues piétonnes. Aux Halles, à quelques pas du bâtiment, se trouve le noeud des transports en commun de la ville et de la région. Ce quartier central est devenu une porte de la capitale, ouverte sur toute l’lIe-de-France. L’art et la culture, présents dans le bâtiment, ont peu à peu investi les rues environnantes où librairies et galeries d’art voisinent avec les boutiques de vêtements.

Les oeuvres d’art elles-mêmes s’échappent du musée : le Pot doré de Jean-Pierre Reynaud se dresse sur la piazza, les sculptures-machines de Niki de Saint-Phalle et Jean Tinguely s’ébattent dans la fontaine Stravinsky. En savoir plus : "Le Pot doré" et "La fontaine Stravinsky" La piazza Transparences et reflets Les façades du Centre Pompidou expriment bien cette ouverture. Niki de Saint Phalle et Jean Tinguely. Niki de Saint Phalle et Jean Tinguely, les deux noms sont immédiatement associés à la fontaine Stravinsky à Paris où les machines noires du sculpteur viennent mettre en branle les animaux et objets fantasques et colorés de sa compagne en hommage au compositeur russe.

Bien connue des Parisiens et des touristes, cette fontaine n’est que l’une des nombreuses réalisations du couple d’artistes dont les premières œuvres communes datent des années 1960. Premier défenseur de l’œuvre de Niki de Saint Phalle, de leurs œuvres communes, Jean disait : « Nous sommes deux sculpteurs attachés l’un à l’autre, qui vivent dans deux mondes très différents, opposés dans les matériaux, opposés idéologiquement, opposés aussi dans la masculinité d’une part et la profonde maternisation de la féminité de l’autre… ça fait un combat.

On se combat. »(2) Mickael Pierson Jean Tinguely, cité par Jocelyn Daignes, Jean Tinguely & Cie, p.45. Niki de Saint Phalle et Jean Tinguely (archive INA) Mickael Pierson. Tinguely - Saint Phalle, Hon. Bernd et Hilla Becher : photo documentaire, la nouvelle objectivité allemande. Cette exposition est la première véritable rétrospective en France de l'oeuvre des photographes allemands Bernd et Hilla Becher. Si ces derniers apparaissent depuis maintenant plus de quinze ans comme les chefs de file d'un important courant documentaire allemand dont la quasi totalité des membres (Andreas Gursky, Candida Höfer, Thomas Ruff, Thomas Struth...) ont été leurs élèves à l'Ecole des Beaux-arts de Düsseldorf, leur œuvre elle-même a été paradoxalement peu montrée en France. Organisée principalement autour de leurs séries typologiques de bâtiments industriels, provenant en grande majorité de la collection des artistes, l'exposition rassemble également une quarantaine de paysages industriels ainsi qu'un travail documentaire réalisé au début des années 1970 dans le bassin de la Rühr, autour du complexe minier Zollern II.

Bannissant du cliché toute source de distraction "individus, nuages ou fumées" ils privilégient une lumière diffuse, sans effets d'ombre trop marqués. Gilbert & George - Galerie Thaddaeus Ropac. Gilbert est George et réciproquement. Il y a un mystère Gilbert et George comme il y a un mystère de la Sainte Trinité. Ils ne font qu’un au point que l’on doit parler au singulier de leur œuvre commune. Parler même d’une œuvre commune est inapproprié. Au prisme de la création, Gilbert est George, et réciproquement ; se poser la question de savoir qui est qui est aussi extravaguant que de se demander lequel est l’autre.

Gilbert et George, drops of blood, 1997 (190 x 302 cm, image partielle, affiche de l’exposition) Gibert-et-George est d’abord une sculpture ou, mieux, un automate chantant et dansant. Gilbert et George, Garden city, 1991 (vue d’exposition, courtoisie Espace Vallès) Le grand tableau qui accueille le visiteur de l’exposition organisée par l’espace Vallès parait contredire cette perception de l’œuvre. Signaler ce contenu comme inapproprié Cette entrée a été publiée dans art contemporain, choses d'ici, regardeur, avec comme mot(s)-clef(s) Espace Vallès, Gilbert et George. Marina Abramovic - Ulay. Marina Abramovic et Ulay, le couple mis en tension. Le « couple » Marina Abramović et Frank Uwe Laysiepen, alias Ulay, se forme en 1976, après une rencontre fulgurante en décembre 1975, alors que Marina Abramović réalise une performance à Amsterdam. Tous deux nés un 30 novembre, ils ont, douze ans durant, une relation symbiotique et une pratique artistique totalement dévouée à la performance.

Ils font de leurs corps leur médium, parlant d’eux-mêmes comme d’un « androgyne ». La performance Rest Energy est exécutée à une date charnière marquant la fin des relation works et le début de l’« épuisement de la relation ». De cette action restent vidéo et photographie. « La flèche est dirigée vers le coeur de Marina.

De petits microphones sont attachés à chacun de nos coeurs, enregistrant le nombre croissant de battements de coeur. » Le corps des artistes met en tension l’arc, moderne Cupidon, qui frappe sa victime d’une flèche empoisonnée. L’image immobile, en plan serré, est induite par l’objet de la performance du duo. Marina Abramovic - Ulay. Née en 1946 à Belgrade et élevée dans la bourgeoisie rouge de Tito, Marina Abramovic est une artiste plasticienne et performeuse engagée. Issue du courant de l’art corporel ou body art, c’est au moyen de son corps, véritable outil de travail et de création, qu’elle teste ses limites en repoussant constamment les frontières du viable et du décent.

Ses performances, parfois extrêmes, sont immortalisées par des clichés en noir et blanc qui marquent la chronologie d'une oeuvre jonchée de combats et de questionnements sur la place de la femme et de l'artiste dans la société, puis du couple, et enfin de l'être humain dans le cosmos. Rythm 10, sa première performance dans laquelle elle passe un couteau entre ses doigts à tout vitesse, fait l'effet d'une bombe dans le milieu artistique et provoque un scandale au sein-même du Parti communiste.

Dates clés - 30 novembre 1946 : Naissance à Belgrade, Serbie. - 1965-1970 : Etudes à l'Académie des Beaux-Arts de Belgrade. - 1957-1961 : Etudes d’ingénieur. Anne et Patrick Poirier : la mémoire et les ruines. Anne Poirier est née en 1941 à Marseille, France. Vit et travaille à Lourmarin, FrancePatrick Poirier est né en 1942 à Nantes, France. Vit et travaille à Lourmarin, France Depuis plus de quarante ans, Anne et Patrick Poirier visitent, fouillent, collectent et inventorient des sites et des vestiges issus des civilisations anciennes. Cet intérêt pour le voyage et la découverte du patrimoine de l'humanité est profondément ancré dans leur pratique artistique.

Dans le sillage de l'enseignement de Claude Lévi-Strauss, ils font partie des premières générations d'artistes à avoir parcouru le monde pour comprendre l'organisation des cités antiques, et plus particulièrement, les formes de leur disparition. Anne et Patrick Poirier ont participé à la Biennale de Venise (1976, 1980 et 1984) et la documenta VI à Kassel (1977). Télécharger la biographie de l'artiste. Peter Fischli et David Weiss. Le 27 avril dernier, la mort de David Weiss (né en 1946, à Zurich) est discrètement annoncée par les médias. Une série de modestes hommages est rendue sur la toile, les réseaux sociaux, comme dans la vie.

Sculpteur et dessinateur, il mène une première partie de sa carrière en solo, jusqu’à sa rencontre avec Peter Fischli (né en 1952, à Zurich) avec qui il a travaillé pendant trente trois années. Une intense collaboration qui a donné vie à une œuvre décalée, poétique, caustique, critique et ironique. Ensemble, ils sont parvenus à survoler les pratiques contemporaines tel un ovni loufoque et complexe dont l’œuvre interroge non seulement les institutions culturelles et médiatiques, la critique, le marché, mais aussi l’art en lui-même : sa construction, ses classifications et ses normes.

Ils n’ont eu de cesse de placer leur travail dans une marge, un espace de liberté et d’intransigeance critique. Leu matériau de prédilection était le quotidien, la banalité, le familier, le trivial. La Jeune sculpture, Dewar et Gicquel. Poursuivant son dialogue avec l’art contemporain, le musée Rodin ouvre les jardins de l’hôtel Biron au duo d’artistes, Dewar et Gicquel, lauréats en 2012 du Prix Marcel Duchamp, attribué pour la première fois à un modèle de production à deux.

Collaborant depuis leur rencontre en 1997 à l’Ecole des Beaux-Arts de Rennes, les deux artistes explorent une voie très expérimentale entre érudition et amateurisme, relecture de l’histoire de l’art et pratiques artisanales. L’hybridation des techniques, des motifs et des matériaux leur permettent d’interroger les canons de la sculpture. Le corpus d’oeuvres conçu pour l’exposition est composé d’un ensemble de sculptures en béton de grandes dimensions, coulées et réalisées par les artistes selon les techniques classiques, au cours d’un processus à la fois performatif, ludique et conceptuel. Diaporama Crédits : Courtesy galerie Loevenbruck, Paris, et Truth and consequences, Genève – photo musée Rodin, Paris (Lola Pertsowsky) Commissariat d'exposition. Dewar & Gicquel : dérision et références. Pierre et Gilles : portraits photo, le glamour et le kitch à deux mains. Fluxus. L'art vidéo de Fluxus Les Arts sonores de Fluxus La vidéo chez FLUXUS Cours par Stéphan Barron Fluxus Performance Workbook fluxusworkbook.pdf?

Ci-dessous à recoder (vient brut du wikibook). A illustrer par des vidéos de préférences (docs originaux), et des illustrations Fluxus est un mouvement artistique d’Avant-garde des années 60 crée par de jeunes artistes américains, influencés par le courant Dada, par Marcel Duchamp et par Les Happenings d'Allan Kaprow et les enseignements de John Cage. Historique: Création de Fluxus Ce mouvement naît aux Etats-Unis dans les années 50 grâce à de jeunes artistes influencés par les dadaïstes, la musique de John Cage, les ready made de Marcel Duchamp et la philosophie zen.

Au départ, ils partagent tous la même volonté de transgresser les catégories et les conceptions de l’art. Maciunas ouvre une galerie en 1961 à New-York et organise de nombreux concerts, des événements culturels et expose les œuvres de ses amis. Les apports de Fluxus L'art Fluxus. George Maciunas, Manifeste Fluxus (1963). 18 happening, A. Kaprow. 18 Happenings in 6 parts d'Allan Kaprow. 18 Happenings in Six Part, fut présenté pour la première fois en 1959 à la Galerie Reuben à New York, elle inaugure le Happening.

Kaprow envoya des invitations au public, précisant bien que ce dernier était partie prenante de l'événement. L'événement utilisait plusieurs salles dans la galerie Reuben. Dans ces salles, des chaises et places étaient disposées dans plusieurs directions, forçant le public à voir le spectacle de façon disparate. L'espace était parcouru d'éclairages de couleur et de miroirs qui renforçaient la complexité de l'environnement. Historiquement considérée comme la « première » d’un genre nouveau (la performance), A la fois improvisés et parfaitement mis en scène et écrites par Kaprow, ces happenings marquent un point de non-retour, au-delà duquel les limites traditionnellement attribuées à différentes formes d’expression (peinture, danse, musique, théâtre, poésie) implosèrent définitivement.

Affiche Fluxus. Affiche Fluxus. Affiche Fluxus. Affiche Fluxus. Affiche Fluxus. Le groupe BMPT : Buren, Parmentier, Mosset, Toroni. Bmtp Puisque peindre. G.R.A.V. GRAV : art cinétique et participation du spectateur. « Est-ce que ça va être l’euphorie ou l’œuf au plat ? » (1), pouvait-on alors s’interroger, pour reprendre François Morellet, plasticien choletais à la renommée internationale, qui commença à utiliser les tubes de néons à partir de 1963. La première, incontestablement. En effet, c’est avec un bel enthousiasme et l’envie d’en découdre avec l’art officiel et les institutions qu’est fondé en 1961, à Paris, le GRAV (Groupe de recherche d’art visuel). Au côté de Morellet, ce collectif d’artistes contestataires réunit Jean-Pierre Yvaral (fils de Vasarely), Julio Le Parc, Horacio Garcia-Rossi, Joël Stein et Francisco Sobrino. Anticonformistes, engagés, ils veulent libérer la création, explorer des champs nouveaux, en marge des circuits traditionnels.

A l’étranger, d’autres groupes se constituent dans ces mêmes années 60. Le GRAV connaît son premier fait de gloire en septembre 1961, à l’occasion de la IIe Biennale de Paris. 19 avril 1966 : le GRAV organise une « Journée dans la rue », à Paris. GRAV journée dans rue. GRAV journée dans rue. Le Cyclop : autour de jean Tingely, ses amis Nouveaux-réalistes et les autres. Tinguely - Cyclop, 1977. Jean Tinguely; Niki de Saint Phalle Le Cyclop - La Tête Maquette 1986. Jean Tinguely; Niki de Saint Phalle Le Cyclop - La Tête Maquette Matériel / Technique: Ferraille, miroirs Dimensions: 180 x 240 x 110 cm Size: 11301 Inv.Number: Bischofberger 0741 Creditline: Musée Tinguely, Bâle, Donation Niki de Saint Phalle Dans la réalisation du « Cyclop », Niki de Saint Phalle était chargée de donner son visage au personnage de la légende.

LA FIGURATION NARRATIVE. Dossiers pédagogiques - Collections du Musée Un mouvement, une période INTRODUCTION / Dire en Peinture Durée et image fixe - Simultanéité des espaces : Jacques Monory, Le Meurtre n°10/2, 1968 - Superposition des plans : Peter Klasen, Femme-Objet, 1967 - Combinaison des cadrages : Gianni Bertini, Partie de campagne, 1966 DISCONTINUITÉ NARRATIVE - Dimension participative du récit : Öyvind Fahlström, The Planetarium, 1963- Isoler la figure : Peter Stämpfli, Gala, 1965 - Raconter l’exil : Hervé Télémaque, My Darling Clementine, 1963 LA PEINTURE COMME ARME POLITIQUE - Figuration parodique : Peter Saul, Poverty, 1968 - Réalisme critique : Gilles Aillaud, L'Eléphant, 1971 QUESTIONS SUR LA PEINTURE - « L’image de l’image » : Bernard Rancillac, Horloge indienne, 1966 - Image et voix off : Gérard Fromanger, En Chine, à Hu-Xian, 1974 Introduction / Dire en peinture Dans les années 60, une nouvelle figuration émerge dans un climat international tendu.

DurÉe et image fixE la peinture comme arme politique. Vivre et laisser mourrir 1965, trois artistes de la Figuration narrative.

Jacques Monory : la figuration narrative, exposition à Landernau

GéRARD FROMANGER - figuration narrative. Supports / Surfaces - Expositions - Carré d’Art. Supports surfaces. Les Malassis, une "coopérative de peintres toxiques" sous l'ère pompidolienne. Gérard Tisserand Peintures: " La Coopérative des Malassis " 1968. Qui sont les Guerrilla Girls ? - Elles osent ! Guerrilla Girls. Guerrilla Girls. Quand le collectif Présence Panchounette se moquait de l'art contemporain - Sortir Grand Paris. Présence Panchounette, Présence Panchounette. A Look at Lucinda Childs/Philip Glass/Sol LeWitt's Dance. Paso Doble - Josef Nadj. Danse et arts palstique : KYLDEX 1 Caroln Carlson et N. Scharffer.

Art et danse -performance : Coucou Bazar (J. Dubuffet)et Kiriakos Hadjiioannou.