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Art abstrait

Art abstrait
Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. L'art abstrait est l'une des principales tendances qui se sont affirmées dans la peinture et la sculpture du XXe siècle[2],[3]. Définitions[modifier | modifier le code] Michel Seuphor donne une définition de l'art abstrait assez prudente[6](en l'opposant à l'art figuratif), citée dans l'introduction du chapitre « Origines du développement de l'art abstrait » de Michel Ragon : « J'appelle art abstrait tout art qui ne contient aucun rappel, aucune évocation de la réalité observée, que cette réalité soit, ou ne soit pas le point de départ de l'artiste[7]. » Historique[modifier | modifier le code] Aux origines de l'abstraction[modifier | modifier le code] Synthétisant les définitions de Ragon et Seuphor, Jean-Philippe Breuille écrit : « On peut situer son origine aux environs de 1910 lorsque Vassily Kandinsky peint une aquarelle, conservée au MNAM (Paris) où toute référence au monde extérieur est délibérément supprimée[2]. » Il écrit également : Related:  Arts Plastiques

Années folles, expression utilisée pour désigner, en France en particulier, les années vingt, période marquée par une aspiration nouvelle à la liberté et à la joie de vivre, par une grande effervescence culturelle et intellectuelle, mais aussi par une re Les Années folles Euphorie, plaisirs et inégalités sociales Les Années folles désignent les années vingt, période marquée par une aspiration nouvelle à la liberté et à la joie de vivre, par une grande effervescence culturelle et intellectuelle, mais aussi par une remise en cause des valeurs d'avant-guerre. Les Années folles furent une période d'intense soulagement et de libération, après cinq longues années d'un conflit qui avait mobilisé toutes les forces du pays, soumis celui-ci à la censure et à l'austérité économique, et provoqué, dans toutes les couches de la population, une saignée sans précédent : alors que le pays se couvrait de monuments aux morts et honorait ses "poilus", le sentiment se développait qu'après la "der des der" (la dernière des dernières en parlant de la 1ère Guerre mondiale), la Belle Époque était bel et bien révolue et qu'une nouvelle période, peut-être porteuse des solidarités et des mutations qu'avait fait naître l'effort de guerre, allait commencer.

Art contemporain Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. L'expression « art contemporain » désigne de façon générale et globale l'ensemble des œuvres produites depuis 1945 à nos jours, et ce quels qu'en soient le style et la pratique esthétique. Dans cette classification périodique, l'art contemporain succède à l'art moderne (1850-1945). Cette désignation s'applique également aux musées, institutions, galeries, foires, salons, biennales montrant les œuvres de cette période. Qu'est-ce que l'art contemporain ? La notion de « contemporanéité » est d’abord une notion historique. « Contemporanéité » signifie aussi « simultanéité ». De nouvelles références permettent de définir ce qu'est la méthode contemporaine. De surcroît, l'expression « manière contemporaine » est aujourd'hui utilisée pour des artistes encore vivants et actifs ou pouvant encore l'être, ce qui dans ce cas placerait l'origine de la méthode contemporaine dans les années 1960, avec le pop art, Fluxus, les happenings ou l'art vidéo.

Impressionnisme L'impressionnisme commence à être accepté en 1880, grâce au soutien du nouveau gouvernement de Léon Gambetta et de critiques comme Émile Zola. Les œuvres font petit à petit leur entrée dans les musées, au Salon des artistes français, qui succède au Salon de l'Académie des Beaux-Arts, et sur le marché de l'art. Le marchand Paul Durand-Ruel joue un rôle crucial dans le soutien et la diffusion de l'impressionnisme, qui s'exporte aux États-Unis à partir de 1886, grâce à la peintre Mary Cassatt. Le mouvement y obtient un grand succès, qui participe à la consécration de Monet et au développement d'écoles impressionnistes hors de France au cours des années 1890. Cette décennie voit la mort de Morisot, Caillebotte et Sisley et la dispersion du groupe, tandis que se développent de nouvelles avant-gardes auxquelles adhèrent certains impressionnistes, comme Cézanne et Pissarro. Les artistes impressionnistes créent une nouvelle esthétique opposée à l'art académique. Auguste Renoir, Étude.

Carré noir sur fond blanc Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Carré noir sur fond blancЧёрный квадрат Le Quadrangle, appelé aussi Carré noir sur fond blanc, est une huile sur toile peinte par Kasimir Malevitch en 1915[1]. Historique[modifier | modifier le code] Kasimir Malevitch expose pour la première fois trente-neuf œuvres suprématistes, dont le Quadrangle, en 1915 à la galerie Dobychina lors de la « Dernière Exposition futuriste de tableaux 0,10 (zéro - dix)[2] ». Le tableau est exposé en hauteur, dans un angle de la pièce qui comprend les œuvres de Malevitch. Bibliographie[modifier | modifier le code] (de) Jeannot Simmen, Kasimir Malewitsch - das schwarze Quadrat, Frankfurt am Main : Fischer Verlag, 1998 (ISBN 3-596-12419-0) Notes et références[modifier | modifier le code] Sources[modifier | modifier le code] Jean-Claude Marcadé, Malévitch, Paris : Casterman/Nouvelles éditions françaises, 1990 Notes[modifier | modifier le code] ↑ La date de 1913 est parfois donnée pour cette œuvre.

Galerie Tretiakov Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. La galerie d'État Tretiakov (en russe : Государственная Третьяковская галерея, Gossoudarstvennaïa Tretiakovskaïa galereïa) est un musée de Moscou fondé en 1856 par Pavel Tretiakov (1832-1898), industriel et grand amateur d'art. Le musée possède l'une des plus importantes collections au monde : plus de 140 000 pièces de collection, dont 15 000 tableaux, la majorité œuvres d'artistes russes, 4 500 icônes et sculptures, et une centaine de milliers de dessins et divers documents graphiques. Les collections sont réparties entre le complexe Lavrouchinski (du XIe siècle au début du XXe siècle) et la Nouvelle Galerie Tretiakov (XXe siècle). Fondation[modifier | modifier le code] Pavel Tretiakov commence sa collection dans les années 1850. En aout 1892 il fait don de sa collection à la ville de Moscou. La galerie était située dans la maison de la famille Tretiakov, acquise en 1851. Collections[modifier | modifier le code] Les peintres du XVIIIe siècle

Biographie de Viktor Frankl, le père de la logothérapie Dernière mise à jour : 31 juillet, 2017 Beaucoup de personnes ignorent si elles doivent cataloguer Viktor Frankl comme héros, martyr ou penseur. En vérité, il est les trois à la fois. Un héros parce qu’il a affronté avec courage les pires adversités qu’un être humain puisse connaître. Viktor Frankl est l’un de ces êtres humains qui a réussi à se glisser au milieu de l’une des plus grandes misères humaines et qui en est ressorti intact. “Quand nous nous retrouvons dans la problématique de ne pas pouvoir changer une situation, nous faisons face à l’énorme défi qui consiste à nous changer nous-mêmes.” -Viktor Frankl- Le plus important est le fait qu’il ait grandi dans une maison tranquille et ait vécu une enfance paisible. Pendant son adolescence, sa famille dut subir la dureté de la Première Guerre Mondiale. Viktor Frankl et le sens de la vie Alors qu’il n’était qu’un élève qui étudiait pour le baccalauréat, il participa à sa première conférence. Le nazisme et la Seconde Guerre Mondiale

Pop art Histoire et définition[modifier | modifier le code] L'expression « pop art » (abréviation de « popular art » en anglais, ou « art populaire » en français), a été utilisée pour la première fois par les membres de l'Independent Group, groupe d'intellectuels travaillant sur l'impact des médias de masse et de la technologie dans la société se réunissant à l'Institute of Contemporary Art (ICA) à Londres[1]. Le pop art émerge au milieu des années 1950 en Grande-Bretagne et, sous une autre forme, vers la fin des années 1950 aux États-Unis. L'accueil réservé aux productions américaines est très bon car les formes sont simples et accessibles. Ce mouvement a perturbé le monde artistique d'autres manières, par exemple à travers la remise en cause du principe d'unicité de l'œuvre d'art. Le pop art constitue également une réintroduction du réel et du populaire dans le champ pictural après l'expressionnisme abstrait (à la fois art non figuratif et art destiné à une élite). Culte !

Art moderne Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. L'appellation d'art moderne désigne une période de l'histoire de l'art qui est initiée par Édouard Manet et les peintres impressionnistes dans les années 1870 et s'achève au milieu des années 1950, notamment avec la naissance du pop art[1]. L'art moderne se caractérise par une rupture avec les canons de la figuration de l'art classique[2]. La notion d'« art moderne »[modifier | modifier le code] Dans Le Peintre de la vie moderne, Baudelaire trouve la beauté dans la rue et il la voit changeante, mobile ; chez l'artiste moderne, il salue l'aptitude à dégager du transitoire du quotidien l'éternel de la beauté. D'un point de vue institutionnel, l'émergence de la modernité ébranle l'Académie dans son pouvoir d'autoriser ou non l'entrée d'une œuvre au Salon. Les peintres « hors-académie » refuseront finalement d'être exposés à côté des peintres académiques. Naissance de l'« art moderne »[modifier | modifier le code]

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