Fiche d'analyse : Réserve de Christian Boltanski Présentation générale Titre de l’œuvre : « Réserve » Nature de l’œuvre : Installation Genre de L’œuvre : Mythologie personnelle Artiste / Auteur : Christian Boltanski (1944- …) Date de création : Les périodes historiques propres à chaque niveau 6ème Antiquité – IX siècle 5ème IX-XVII siècle 4ème XVIII et XIX siècle 3ème XX siècle et aujourd’hui Catégorie Arts du visuel (Arts plastiques (architecture, peinture, sculpture, dessin et arts graphiques, photographie, etc.) ; illustration, bande dessinée. Domaine / thématique Arts, créations, cultures Arts, espace, temps Arts, état et pouvoir Arts, mythes et religions Arts, techniques, expressions Arts, ruptures, continuités Eléments de recherche Repérage chronologique Evènements historiques proches : Seconde guerre mondiale (1939 – 1945) Vie de l’artiste / de l’auteur Son identité Christian Boltanski est un artiste du 20ème siècle, né le 6 Septembre 1944. Son Parcours Né en 1944 à Paris, Christian Boltanski est un artiste important de l’art contemporain français. S.
Christian Boltanski Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Christian Boltanski Christian Boltanski photographié dans son atelier par Bracha L. Ettinger en 1990, pour le livre d'artiste Matrix et le Voyage à Jerusalem de C.B. (1991). Il a un frère, le sociologue Luc Boltanski. Biographie[modifier | modifier le code] Né d'un père juif d'origine russe et d'une mère corse chrétienne[1]. Boltanski s'éloigne de la peinture à partir de 1967 et expérimente l'écriture, par des lettres, des installations ou des dossiers qu'il envoie à des personnalités artistiques. Prix et distinctions[modifier | modifier le code] 2009 : Prix de Gaulle-Adenauer[2] (avec l'Allemand Anselm Kiefer)2007 : Premium Imperial Tokyo Œuvre[modifier | modifier le code] Boltanski questionne la frontière entre absence et présence. Une des particularités de l'artiste est sa capacité à reconstituer des instants de vie avec des objets qui ne lui ont jamais appartenu mais qu'il expose pourtant comme tels. L’homme qui tousse (réalisé avec J.
Felice Varini (né en 1952 -) - "Trois cercles désaxés". 2005. MACVAL Trois cercles désaxés, MAC VAL 20052005Peinture acrylique, dimensions variables.Collection MAC VAL, Musée d’art contemporain du Val-de-Marne.Acquis avec la participation du FRAM Île-de-France. Photo © André Morin. Notice Felice Varini travaille l’espace et la question de sa perception à partir de la construction de points de vue. À l’occasion de l’inauguration du MAC VAL en 2005, Felice Varini a marqué le vestibule du musée d’une installation peinte directement sur les murs, les vitres et le plafond du bâtiment. Le processus de composition et de réalisation de l’œuvre s’inspire des règles de la perspective utilisées depuis la Renaissance dans les tableaux mais en procédant à une inversion totale. En réactualisant en 2010 une œuvre inaugurale qui a marqué le regard porté sur ce bâtiment aux lignes modernistes, l’artiste et le musée jouent avec la mémoire récente de l’institution et de son public.
LE NU FEMININ DANS LA PEINTURE... - Le blog de christianlegac 6 novembre 2013 3 06 /11 /novembre /2013 11:35 Vous trouverez ci-dessous un choix, ne me demandez pas pourquoi ce choix!... Mais c'est le mien. L'origine du monde par Gustave Courbet. La femme dans les vagues par Gustave Courbet. Gustave Courbet, le sommeil. Femme allongée sur le lit par Gustave Courbet. Gustave Courbet, la source. Gustave Courbet, jeune baigneuse. Gustave Courbet, deux femmes nues. Gustave Courbet, le réveil. Toute une suite de nus féminins par celui qui est sans doute le plus prolifique dans le genre... La naissance de Vénus. L'Aurore. Après le bain. Nu assis. Biblis. Amour et Psyché. Femme au coquillage. Le crépuscule. La nuit. Baigneuse. La vague. Prise dans le guépier de l'Amour. Elle se défend contre l'Amour. L'Amour s'envole. Adolphe Bouguereau. L'étoile perdue. Thoreads. Pascal Chove... Renso Castaneda... Pierre Oliver Joseph Coomans (1816 - 1889), les baigneuses. John Currin... Félix Vallotton (1865 - 1925). Félix Vallotton. Théodore Chasseriau (1819 - 1856), Vénus marine. Intérieur oriental.
Henri Matisse (1869 - 1954) ."La Tristesse du roi". 1952.. Papiers gouachés. Dès avant sa présentation au Salon de Mai en 1952, Georges Salles, directeur des Musées de France, avait signalé avec enthousiasme le grand panneau du Roi triste1, vu dans l'atelier de Nice, à Jean Cassou, qui avait aussitôt engagé la négociation en vue d'un achat éventuel pour le Musée national d'art moderne. Cette négociation durera plus d'un an; le panneau est attribué au MNAM à la fin de l'année 1953 et aussitôt installé dans le hall du musée, au-dessus de l'escalier2. Cette grande composition se rattache vraisemblablement à un thème biblique, mais s'agit-il d'une image liée au Cantique des cantiques (que Matisse songeait à illustrer à l'époque), ou bien de Salomé dansant devant Hérode ? La Tristesse du roi est avant tout une réflexion sur la vieillesse et la mémoire : « Titien, Poussin et, admirés de Matisse, Rembrandt et Renoir ont connu "ce jeu de la fin de la vie". 1. Références bibliographiques : André Verdet, Prestiges de Matisse, Paris, Éditions Emile-Paul , 1952 Verve, vol.
L'Art du nu au XIXe siècle L'ART DU NU ACADEMIQUE AU XIXème SIÈCLE On entend généralement par "nu académique", d'abord un grand dessin, ensuite une peinture ou encore une sculpture, représentant un ou plusieurs nus, "l'académie", fait d'après un modèle vivant. C'est également le cours d'académie dispensé obligatoirement jusqu'en 1970 dans les écoles des Beaux-Arts. L'exécution du nu est soignée et toujours figurative. De tout temps l'homme a aimé contempler un joli corps de femme, avec ou sans artifices.Quoi de plus naturel en somme que de se le représenter en peinture et l'artiste du XIXème siècle s'impose comme un incontestable spécialiste du genre.Et le peintre, ou le sculpteur, aura toujours l'avantage sur le photographe de pouvoir regarder deux fois son modèle, de l'observer en nature et en train de se faire. Les nus classiques ainsi que néo-classiques vont prendre un caractère moral avec des poses aux corps anatomiquement parfaits, qui exaltent le courage, le patriotisme, le sentiment héroïque. sommaire
Sarah SZE (1969- ) "Triple point" . 2013. Installation sarah sze: triple point (gleaner), 2013photograph of rock printed on tyvek, trees, moss, rocks, aluminum, wood, steel, bricks, stone, sandbags, outdoor pump, outdoor lights, mixed mediadimensions variable© sarah sze, courtesy of the artist, tanya bonakdar gallery, new york, and victoria miro gallery, londonphoto: tom powel imaging one experiences ‘triple point’ immediately in the courtyard where ‘gleaner’, a teetering structure climbs and descends the exterior, situated to the right of the pavilion’s main entrance. coalescing to form an exterior space which fully reveals itself fully only later on, its position redirects one’s access to the interior to a former exit door to the left of the entry rotunda, where they are met by sze’s makeshift structures, the assemblages appearing unfinished, but notably recalling models, machines and facilities such as a laboratory, planetarium, observatory and pendulum. sarah sze: triple point (gleaner), 2013 image © designboom
Andrzej Malinowski 1947- | Femme Femme Femme Une femme sans beauté ne connaît que la moitié de la vie.Mme de Sévigné. Belle aux rubans Mise à nu Jeune fille et trois pommes Belle de songe II Andrzej MALINOWSKIDicart-net.Artchic. Studio Olafur Eliasson (1967-) • "The weather project" • 2003 • Hall de la Tate Modern à Londres Created for the Turbine Hall of Tate Modern, London, this site-specific installation employed a semi-circular screen, a ceiling of mirrors, and artificial mist to create the illusion of a sun. Aluminium frames lined with mirror foil were suspended from the ceiling to create a giant mirror that visually doubled the volume of the hall – along with the semi-circular screen mounted on the far wall, its long edge abutting the mirror ceiling. Backlit by approximately 200 mono-frequency lights, the semi-circle and its reflection created the image of a massive, indoor sunset seen through the artificial mist emitted into the room. By walking to the far end of the hall, visitors could see how the sun was constructed, and the reverse of the mirror structure was visible from the top floor of the museum.
Les peintures de nus du peintre contemporain Les artistes peintres sont attirés depuis toujours par le corps nu. La peinture d’un tableau de nu est-il le symbole du désir, du mystère, de la beauté et de l'interdit par excellence ? La peinture de nus est devenue un thème artistique à part entière représenté par des peintres célèbres. Les peintures de nus, une histoire lointaine Les peintures de nus existent depuis la nuit des temps. La peinture du corps humain dans sa nudité a commencé avec les représentations humaines préhistoriques. La peinture de nus, préhistorique, était une sorte d'enseignement de l'anatomie humaine, plutôt qu'une peinture artistique dans sa définition. La Renaissance va tout basculer. Les mouvements artistiques et les peintures de nus La Renaissance correspond à l'émergence de courants de pensées et de mouvements artistiques qui n'ont pas manqué de faire la part belle aux peintures de nus. Les peintures de nus contemporaines
Jesús Rafael Soto (1923-2005) - "Cube pénétrable" - 1996 En avril 1967, lors de son exposition personnelle à la galerie Denise René, Soto montre pour la première fois une « œuvre dans l’espace », tout à fait inédite dans sa production. Il s’agit d’un ensemble de tiges d’aluminium qui, accrochées à une croix grecque suspendue au plafond, descendent jusqu’au sol et forment ce que l’artiste appelle alors un « Volume suspendu ». L’œuvre, haute de plus de deux mètres et large d’un mètre, est installée au beau milieu de la galerie, incitant les visiteurs à la traverser. Ce « Pénétrable » avant la lettre – c’est Jean Clay qui baptisera ainsi ce type d’œuvre en 1967, dans le no3 de la revue Robho – résulte d’une longue évolution, que Soto relate en 2001 dans ses conversations avec Ariel Jiménez : « Ce fut un processus très long qui est peut-être venu – je le dis maintenant – de la fascination pour tout ce qui se produisait entre les feuilles de Plexiglas de mes premières œuvres. J’avais toujours envie de rentrer à l’intérieur. Jean-Paul Ameline 1. 2.
NOS MUSEES | rmn.fr Nos musées Le Grand Palais, à Paris, est le monument emblématique de la Rmn-GP. Nous y présentons nos plus grandes expositions, qui sont particulièrement mises en valeur dans ses espaces démesurés. Nous y accueillons également des événements que nous n’organisons pas, comme la FIAC, Paris Photo, les défilés de mode durant la Fashion week, le Saut Hermès, etc. Le Musée du Luxembourg ne nous appartient pas : nous le gérons au nom du Sénat, qui en est le véritable dépositaire. Nous collaborons enfin avec une vingtaine de musées partenaires. Musée de Cluny - Musée national du Moyen Âge, Paris Musée national de la Renaissance, château d’Ecouen Musée d’archéologie nationale, château de Saint-Germain-en-Laye Musées des châteaux de Malmaison et de Bois-Préau Domaine des Granges de Port Royal, Magny-les-Hameaux Musées et domaine nationaux du Palais impérial de Compiègne Musée de la coopération franco-américaine, Blérancourt Musée Magnin, Dijon Musée national napoléonien, Ile d’Aix
Do Ho Suh (1962 -Corée) Do Ho Suh (서도호,) nait à Séoul en 1962 dans un environnement propice à la création artistique (père peintre, mère chargée de la préservation du patrimoine sud-coréen, frère architecte). Il se forme d’abord à l’université nationale de Séoul (Beaux-Arts, spécialité peinture) puis à la Rhode Island School of Design et enfin à l’école de sculpture de Yale. Thèmes récurrents dans l’oeuvre de Do Ho Suh. Son œuvre comporte plusieurs thèmes et questionnements récurrents : l’articulation entre les notions d’individu et de groupe, les notions d’espaces et de sentiment d’appartenance (que ce soit à une identité, un groupe, un lieu). Individu et groupe Do Ho Suh pense beaucoup la notion de groupe. On retrouve des idées similaires dans l’installation Karma de 2003, présentant des pieds géants prenant toute la hauteur sous plafond de la galerie marcher sur des silhouettes bien plus petites. Perte et quête d’identité La maison est visitable, et meublée comme une maison traditionnelle. Articles similaires