Caravage et le courant caravagesque Le Caravage Peintre parmi les plus appréciés de l’histoire de l’art, il doit son succès à l’expression véridique et passionnée des scènes qu’il a traitées. Michelangelo Merisi, dit le Caravage (Milan 1571 – Porto Ercole, Grosseto 1610), une vie courte, malheureuse et romanesque sert de cadre à sa très féconde activité artistique. Il fut apprenti à Milan auprès du peintre Simone Peterzano, élève de Titien. La Vocation de saint Matthieu, 1600, Caravage, (Rome, Saint-Louis-des-Français). Jeune garçon au panier de fruits, vers 1594, Caravage, (Rome, Galleria Borghese). Les joueurs de cartes, vers 1594, Caravage, (Forth Worth – Texas, Kimbell Art Museum). Dans les œuvres de la maturité, et surtout dans les deux grand cycles de San Luigi dei Francesi et de Santa Maria del Popolo, le Caravage accentue, avec une assurance inouïe, la représentation de la réalité la plus brutale et la plus immédiate en utilisant de fort contrastes d’ombre et lumière, essentielle dans les œuvres postérieures.
Techniques surréalistes de création : dessin automatique, collage, frottage, grattage, fumage, décalcomanie et cadavre esquis Les surréalistes ont inventé ou utilisé un certain nombre de techniques artistiques. J’ai déjà parlé du jeu du cadavre exquis . En voici quelques autres Le dessin automatique (automatic drawing) est une variante de l’écriture automatique. L’artiste prend une feuille de papier. Cette pratique peut aussi de nos jours être mise en oeuvre avec la souris d’un ordinateur André Masson – Dessin automatique Le collage utilisé essentiellement par Max Ernst. Max Ernst – Une semaine de bonté – Collage Le frottage inventé en 1925 par Max Ernst (1891-1976). Max Ernst – Foret et soleil – 1931 – Frottage sur papier Le grattage pratiqué par le peintre espagnol Estaban Francès. Esteban Frances – Alambradas – Grattage Le fumage mis au point en 1937 par Wolfang Paalen. Wolfgang Paalen Orage magnétique La décalcomanie utilisée dans l’art par Oscar Dominguez en 1936. Oscar Dominguez – Décalcomanie Cette entrée a été publiée dans Techniques création & reproduction.
LE SURRÉALISME e mot « surréalisme » a été choisi en hommage à Apollinaire. Celui-ci venait en effet de mourir (1918) et avait signé peu auparavant avec Les Mamelles de Tirésias un « drame surréaliste ». C'est dans son premier Manifeste que Breton en propose la définition : Surréalisme, n. m. Automatisme psychique pur par lequel on se propose d'exprimer, soit verbalement, soit par écrit, soit de toute autre manière, le fonctionnement réel de la pensée. Dictée de la pensée, en l'absence de tout contrôle exercé par la raison, en dehors de toute préoccupation esthétique ou morale. Questions : Repérez dans le texte d'André Breton comment la part donnée au hasard se mêle à celle de l'expérimentation quasi scientifique sur le langage (Breton précise peu après que cette entreprise « peut passer pour être aussi bien du ressort des poètes que des savants »). 2. Questions : Repérez les procédés qui donnent au texte sa solennité et son arrogance. 3. 5.
Dada ? C’est quoi ? | EnvrAk Dada ? Mais c’est quoi ? La révolution est en marche Dada… signe de ralliement, mot-étendard qui rassemble derrière lui une génération d’artistes lassés des drapeaux. A la source de la naissance de Dada, la première Guerre Mondiale, un homme et une légende largement alimentée postérieurement. Nous sommes à Zürich en 1915, îlot de paix dans une Europe déchirée par le tout premier conflit mondial, un poète, un Roumain : Tristan Tzara, horrifié par les ravages de la guerre et par son absurdité, ainsi que plein d’espoir pour un renouveau de l’art, entraîne avec lui nombre d’autres artistes. Affiche Dada au Japon Dada… un nom comme ça, ça ne s’invente pas ! Quoique… Une véritable légende est née autour de la création de ce nom. Photo de Man Ray de la joyeuse bande dadaïste Tristan Tzara, la pierre d’angle du mouvement Ce jeune poète a 19 ans lorsqu’il décide de quitter sa Roumanie natale pour poursuivre ses études à Zurich. Photo de Tristan Tzara 1918 : Dada se manifeste Affiche du Manifeste, 1918
Gustave Courbet : 6 choses que vous ne saviez (peut-être) pas sur lui Il aimait les femmes, les peindre, les fréquenter, leur écrire… C’est d’ailleurs tout le sujet de l’exposition qui se tient jusqu’au 21 septembre à la bibliothèque de Besançon, consacrée à la correspondance tardive et érotique échangée entre Courbet et Mathilde Carly de Svazzema. Pourfendeur de la bien-pensance, de la religion et de la bourgeoisie, le peintre, qui placarde le manifeste du réalisme à son exposition personnelle en 1855, est d’abord un campagnard, attaché à son terroir de Franche-Comté, un randonneur des chemins champêtres qui vise à redonner au peuple et au réel toute sa place dans la peinture. Voici six secrets pour mieux connaître la personnalité atypique de ce célèbre artiste. 1. Dans son Exposition universelle de 1855, Baudelaire reproche à Courbet, comme à Jean-Auguste-Dominique Ingres, de mener une « guerre à l’imagination ». 2. Le réalisme de Courbet consiste d’abord en un refus de la peinture héroïque et de la sacralisation du genre historique. 3. 4. 5. 6.
Fondation Bemberg: L'Art en s'amusant Le portrait L'énigme Tête de jeune paysan - Paul GAUGUIN (1848-1903) – Fin XIXe siècle – Huile sur toile Le paysage Petite histoire de la peinture La nature morte Parmi toutes les couleurs qui composent le visage de l’enfant, tu peux distinguer deux ensembles : les couleurs chaudes et les couleurs froides. La scène de genre Les couleurs chaudes évoquent le feu, le soleil, la chaleur… comme le jaune, l’orange, le rouge… Les couleurs froides suggèrent la glace, l’eau, le froid… comme le bleu, le vert, le violet… Revoir les couleurs originales > Observe à nouveau le visage. Une couleur crée une zone d’ombre Les couleurs employées par le peintre ne sont pas le reflet de la réalité. alors qu’une couleur évoque une zone de lumière > Tu peux donc en conclure que… froide chaude Regarde bien ces 4 visages. Dans ses représentations de femmes, cet artiste germanique du XVIe siècle réutilise les mêmes critères physiques. La plupart des œuvres rencontrées dans ces deux jeux appartiennent au genre portrait.
SIGNIFICATION COULEURS - Symbolique des couleurs Les couleurs et leur signification De plus, selon les pays, les cultures et les époques, les couleurs revêtent des significations différentes parfois aux antipodes de celles des cultures voisines ; comme le blanc associé en Occident à la pureté, alors qu'il est lié au deuil dans la plupart des pays asiatiques. Porteuse d'un sens et d'une symbolique, la couleur ne peut donc être choisie à la légère, d'autant plus sur une page web qui va être vu par des milliers de personnes venues de tous horizons. Vous devrez tenir compte de l'ambiance que vous désirez créer, de l'information qui accompagne la couleur, du profil des visiteurs, etc. Ensuite vient la question subjective du bon goût et de l'harmonie, car si tout le monde s'accorde pour dire que bleu marine et noir ne font pas des merveilles, qu'en est-il pour le rose et le rouge ? Une chose est certaine, outre un site qui désire fortement se démarquer, nous éviterons les harmonies trop osées de couleurs. Couleurs principales
Le laid dans l’art Il n’est pas rare de trouver sur internet des séquences portant sur le monstrueux. Bien souvent, il est demandé aux élèves de réaliser un autoportrait hideux ou effrayant. « Vous devez créer un visage monstrueux à partir de votre propre portrait en utilisant une ou plusieurs techniques vues précédemment. On peut se demander pourquoi cette fascination pour le laid et quelle est sa portée pédagogique. En effet, si on aborde la question du laid il est inévitable de se poser la question du beau. N’est-ce pas mettre en difficulté les élèves qui ne sont pas à l’aise avec leur image ? Ce sont ces raisons qui motivent cet article sur le monstrueux dans l’art. Adorno écrivait : « le laid doit constituer ou pouvoir constituer un moment de l’art ». Le laid provoque un sentiment de malaise, de dégoût. Par exemple, John Isaacs The Matrix of Amnesia, 1997, est insoutenable. Patricia Piccinini excelle dans le rendu hyper-réaliste de monstres. Jérôme Bosch est aussi friand de la laideur. « Étymol. et Hist.
L’agalmatophilie, le vice des peloteurs de statues Songer à coïter à la vue d’une statue, dans un musée, un jardin public ou dans la rue, si cette drôle d’idée vous a déjà traversé l’esprit alors vous êtes peut-être atteint de cette curieuse manie que l’on nomme l’agalmatophilie. Vous l’aurez compris, aujourd’hui, en plus de vous faire découvrir un nouveau mot que vous réussirez à replacer sans peine lors de votre prochain dîner, je vais vous parler d’un phénomène étrange, d’une obsession bizarre, dont on trouve trace dès l’Antiquité. En effet, si les statues pouvaient parler, certaines de ces beautés séculaires aux formes parfaites nous raconteraient les odieux outrages dont elles furent les victimes au cours des siècles. Car il est des personnes chez lesquelles la contemplation d’une statue, ou parfois d’une peinture, peut déclencher les plus incontrôlables désirs, une envie soudaine de bramer comme un cerf et de se jeter sur elle pour la caresser, l’étreindre et enfin s’y frotter. Et n’oubliez pas de partager cet article à foison !
Artphabet : un alphabet sublimé par 26 artistes contemporains Sur la plateforme Behance, qui permet aux créateurs d’exposer leurs œuvres, à la manière d’une galerie en ligne, voici donc comment les artistes ont été représentés. 26 lettres, et autant de genres, styles et approches différentes. LETTRAGE: un abécédaire de grec ancien en Lego On doit cette réalisation au studio madrilène 3D CESS, dont les œuvres ne manquent pas d’humour, comme on peut le voir sur leur site. ÉCRITURE: le premier alphabet inclusif artistique Évidemment, il y a quelques énigmes, mais la solution se présente ci-dessous, pour retrouver qui a inspiré quoi...
COURS D'HISTOIRE DE L'ART: PRESENTATION ET LIENS Professeur : Jacques ROUVEYROL, agrégé de Philosophie et professeur d'Histoire des Arts. Objectifs : 1 Permettre aux lecteurs de se repérer dans l'histoire de l'art en acquérant une connaissance des grandes caractéristiques des différentes périodes et des différents courants artistiques, en tentant de comprendre la raison de ces évolutions. 2. Organisation : Quatre niveaux Première année : 1.Le Moyen-Âge roman et gothique (XII°-XV°) . 2.La Renaissance italienne : classique (XV°), maniériste (XVI°) . 3.Le Classicisme et le Baroque (XVII°) . 4.Le Rococo et le Néoclassicisme (XVIII°) . 5.Le Romantisme et le Réalisme (XIX°) LIEN: Deuxième année 1.Les impressionnistes et lespost-impressionnistes. .2.Matisse et Picasso : du fauvisme au cubisme. .3.L'art abstrait. 4.Dada et les surréalistes. .5.La révolution Duchamp .. Troisième année .1.De Paris à New-York : l'expressionnisme abstrait. . 2.Le Pop-Art et les Hyperréalistes. . Quatrième année .1. .2. 3.
Le Street Art terrifiant de Mark Jenkins Mark Jenkins est un street artist américain résidant à Washington qui s’est fait connaitre principalement pour ses installations de rue. Il a commencé en 2003 avec la série Tape Men qui s’articulait autour de l’installation de moulages de son corps à l’aide de rubans d’emballage transparent dans les rues de Rio de Janeiro, puis plus tard de Washington, D.C… Une fois que l’on a été confronté ne serait-ce qu’une fois au travail du street-artiste américain Mark Jenkins, il devient difficile d’oublier son nom. Être scotché Mark Jenkins nait à Fairfax aux Etats-Unis en octobre 1970. Son premier projet intitulé Tape Men voit le jour en 2003 dans les rues de Rio de Janeiro et Washington D.C. Ces individus de scotch rappellent à notre imaginaire une présence fantomatique, ni réelle ni fausse qui force à poser le regard et la réflexion sur elle. Embed Series de Mark Jenkins Il a, en particulier, développé cette technique qu’il a mise en scène dans son projet, toujours d’actualité : Embed Series.