Site officiel du musée du Louvre CelloGraff CelloGraff© Tous droits réservés 2010, photos© PGC,ODV 2010 Concept et marque déposés. Tout commence en Mars 2006, avec la création du collectif “Poétiquement correct” composé de Kanos, Reci et Xelecce qui ont suivi le même parcours aux Beaux Arts. Ensemble, ils cherchent à intervenir dans la ville sans aucune dégradation partielle ni dissimulation de signes visuels. rapidement vers le cellophane, matériau qui leur permet de connecter différents mobiliers urbain afin de créer de nouveaux supports d’expression. Avec le temps, le collectif se dissout peu à peu, chacun ayant entamé une vie professionnelle différente. Kanos décide cependant de ne pas abandonner ce mode d’expression. En août 2009, après de longues réflexions et grâce à l’impulsion d’Astro, ils choisissent de réinvestir l’idée pour l’appliquer au domaine du graffiti. CelloGraff...
Fondation Bemberg : L'art en s'amusant Le portrait L'énigme Tête de jeune paysan - Paul GAUGUIN (1848-1903) – Fin XIXe siècle – Huile sur toile Le paysage Petite histoire de la peinture La nature morte Parmi toutes les couleurs qui composent le visage de l’enfant, tu peux distinguer deux ensembles : les couleurs chaudes et les couleurs froides. La scène de genre Les couleurs chaudes évoquent le feu, le soleil, la chaleur… comme le jaune, l’orange, le rouge… Les couleurs froides suggèrent la glace, l’eau, le froid… comme le bleu, le vert, le violet… Revoir les couleurs originales > Observe à nouveau le visage. Une couleur crée une zone d’ombre Les couleurs employées par le peintre ne sont pas le reflet de la réalité. alors qu’une couleur évoque une zone de lumière > Tu peux donc en conclure que… froide chaude Regarde bien ces 4 visages. Dans ses représentations de femmes, cet artiste germanique du XVIe siècle réutilise les mêmes critères physiques. La plupart des œuvres rencontrées dans ces deux jeux appartiennent au genre portrait.
Artistes, osez les produits dérivés… avant que quelqu’un d’autre ne le fasse pour vous ! | Le Souffle Créatif © copyright image : Antoine Titus Les musées français se sont depuis longtemps ouverts à la commercialisation de produits dérivés. Cette pratique règlementée permet aux amateurs d’art d’obtenir de belles reproductions, à des tarifs abordables. Face à ce commerce, de nombreux créateurs essaient, eux aussi à leur manière, de produire des œuvres d’art accessibles sans pour autant tomber dans la grande série. Imprimante 3D, impression textile, personnalisation d’objet en tout genre… de nombreuses solutions existent pour vous permettre de diffuser plus largement votre art. Est-il possible d’envisager des collaborations avec d’autres corps de métier pour accéder à d’autres produits ? Lors du dernier salon Maison et Objet, j’ai pu estimer l’ampleur du marché de la reproduction d’art et, croyez moi, il est de plus en plus qualitatif et de plus en plus considérable. Les clients d’aujourd’hui aiment changer d’intérieur en deux clics de simulation via des applications sur leur tablette.
Kyle Thompson 01 Biennale de Melle, Motoi Yamamoto Motoi Yamamoto (Japon) Floating Garden, 2013, sel, 21 x 7m • création in situ • Église Saint-Savinien [ Avec le soutien de la Fondation du Japon, de ma Maison de la Culture du Japon à Paris et le partenariat de Akzo Nobel ] Floating Garden, c-print, 56 x 46 cm, Floating Garden, c-print, 30 x 20 cm, Floating Garden, c-print, 29,1 x 19,1cm • Iris Optique ; Optique Alaux ; Horlogerie-Bijouterie Splingard Que le motif soit un immense Labyrinthe, un Jardin flottant comme l’écume de mer, un tapis de feuilles, les œuvres de l'artiste japonais Motoi Yamamoto sont des dessins méditatifs d’une beauté saisissante. Depuis 1994, à même le sol, ces immenses dessins d’une blancheur éclatante sont réalisés avec du sel, son matériau unique. Entre ses mains les cristaux s’écoulent comme d’un sablier. Né en 1966 à Onomichi, dans la préfecture d’Hiroshima au Japon, Motoi Yamamoto vit et travaille à Tokyo. Des artistes dont les œuvres exaltent les valeurs profondes et poétiques de l’existence humaine.
ARTS ET VIE, circuits, croisières et voyages culturels Claude MONET, biographie - L'Impressionnisme L'HERITIER DE BOUDIN et JONGKIND Alors qu'il était encore au lycée, il connut une certaine notoriété en peignant des caricatures qu'il exposa dans le magasin de fournitures de dessin avec lequel Eugène Boudin travaillait à l'époque. Finalement Boudin convainquit le jeune Monet, d'abord réticent, de peindre avec lui en plein air. Monet dira plus tard : "par le seul exemple de cet artiste épris de son art et d'indépendance, ma destinée de peintre s'était ouverte". Sa famille n'était pas opposée à ce qu'il devint peintre, mais ses idées indépendantes, sa critique de la peinture académique et son refus de suivre une bonne Ecole d'Art provoquèrent des disputes répétées au sein de sa famille. Son service militaire en Algérie (1860-1861) fut interrompu par une grave typhoïde qui le ramena en France, où il recommença à travailler l'été 1862 avec Boudin et le peintre-paysagiste hollandais Jongkind, au Havre. L'histoire de l'impressionnisme est indissociable de celle du Salon de Paris.
Biennale de Melle 2013, Alfredo Jaar Alfredo Jaar (Chili/États-Unis) Three Women - Aung San Suu Kyi, Graça Machel, Ela Bhatt, 2010, 3 photographies, 18 projecteurs, 18 trépieds, 1,80 x 3 x 0,9m ; courtesy Galerie Kamel Mennour • Ancien office de tourisme Le vocabulaire artistique d’Alfredo Jaar, figure majeure de l’art contemporain engagé, est philosophique et politique. Aung San Suu Kyi est à la tête du mouvement non violent pour les droits de l’homme et la démocratie en Birmanie. Militante politique et sociale au Mozambique, Graça Machel s’est forgée une réputation mondiale en défendant les droits des femmes et des enfants. Ela Bhatt, surnommée la « révolutionnaire douce », a consacré sa vie à l’amélioration du sort des plus opprimées des travailleuses indiennes. Né en 1956 à Santiago du Chili, Alfredo Jaar vit à New York.
Vernon : Au coeur de l'impressionnisme C'est ici que le peintre Claude Monet, fondateur du mouvement impressionniste, a vécu pendant 43 ans. Les jardins de sa maison, le village et les alentours de Giverny ont été ses modèles et attirent encore, chaque année, un demi-million de visiteurs du monde entier, ainsi que les peintres séduits par la lumière si particulière du val de Seine. Mais les ressources de ce petit coin de Normandie ne s'arrêtent pas là. Riche d'une histoire qui remonte au paléolithique, la région regorge de sites archéologiques, de châteaux prestigieux, de moulins mystérieux, de jardins merveilleux et de riches musées. Elle se tourne aussi vers l'avenir : c'est à Vernon que sont fabriqués les moteurs du lanceur européen Ariane.
La Cène de Léonard de Vinci La Cène par Léonard de Vinci La Cène de Léonard de Vinci est une fresque murale qui représente le dernier repas de Jésus de Christ avec ses douze apôtres le soir du jeudi saint, juste avant d’être arrêté par les Romains. Soir, qui n’est autre que la veille du jour de sa crucifixion. On retrouve de gauche à droite les douze apôtres entourant Jésus: Barthélemy, Jacques le Mineur, André, Judas, Pierre, Jean, Jésus, Thomas, Jacques le Majeur, Philippe, Matthieu, Thaddée et Simon. Considérée par les Chrétiens comme un des piliers de la foi chrétienne, elle représente la commémoration d’institution de l’Eucharistie. La Cène, peinte par le génie et l’illustre Léonard de Vinci, fait une longueur de 8,80m sur 4,60m de hauteur. Quant à Léonard de Vinci, il s’est vu partager entre deux œuvres dont Il Cavalli et la Cène qui nous intéresse. Pour ce qui est de la technique de peinture utilisée par Léonard de Vinci pour La Cène, notre génie a opté pour la « tempera » (appelée également détrempe).
La Grande Guerre en dessins, des artistes pendant la premiere guerre mondiale 14-18