La création lyrique de 1950 à nos jours - En Scènes Ainsi, de façon plus que simpliste, pour certains tenants du progrès linéaire permanent, l'opéra du XXe siècle se résume en 1950 aux seules œuvres atonales d'Arnold Schoenberg (Moïse et Aaron) et d'Alban Berg (Wozzeck, Lulu), considérées comme des sommets indépassables, et même des points de non-retour, arrêtant ainsi les pendules à la création passéiste de Turandot de Giacomo Puccini, point final de l'histoire d'un art définitivement classé hors de la modernité. Oubliant au passage le nouveau classicisme allemand, l'opéra brechtien, et l'avant-garde des années trente, de Paul Hindemith à Dimitri Chostakovitch, et l'incontournable Igor Stravinski, ils font fi de la créativité des compositeurs du XXe siècle, toujours attirés par le genre lyrique, témoin incontestable, vu sa complexité, d'une créativité au faîte de ses moyens. C'est faire fi tout autant, la guerre passée, de l'évolution définitivement éclatée du genre.
La mise en scène d'opéras : une constante évolution- En Scènes - Parcours Parcours thématique Pierre Flinois Aux origines, la voix seule mise en scène Durant les deux premiers siècles de l'histoire de l'opéra, le concept de mise en scène tel qu'on l'entend aujourd'hui est resté inconnu. Une mise en place qui échoit généralement à un membre de la troupe, ou au directeur du théâtre qui se chargent de tout l'aspect théâtral, quand ils ne sont pas occupés à canaliser les excès des vedettes du temps, castrats et autres prima donnas plus attachés au succès de leur voix qu'à la vérité psychologique de leur personnage. Mozart semble avoir été l'un des premiers à se préoccuper autant de la direction musicale de ses ouvrages que de la vérité théâtrale, comme au XIXe siècle, Weber et Spohr qui s'attachent à la cohérence globale des spectacles, tandis qu'en France le « Grand Opéra » se caractérise par le côté spectaculaire de la production, où priment scènes de foules et effets grandioses. Wagner et le naturalisme Révolutions esthétiques du premier XXe siècle Pierre Flinois
VIDÉO. Revoir La Tosca de Puccini à l'Opéra Bastille Martina Serafin est Floria Tosca dans une mise en scène efficace signée Pierre Audi Résumé Une cantatrice amoureuse, passionnée, jalouse et impulsive ; un peintre romantique, idéaliste et défenseur des libertés ; un chef de la police affamé de chair, de pouvoir et de sang, prêt à tout pour arriver à ses fins... Puccini mêle avec art les ingrédients d’un mélodrame écrit pour Sarah Bernhardt et compose en quelque sorte l’opéra de l’opéra, une fresque à la fois primitive et décadente. Distribution Lieu : Paris Date : 16 Octobre 2014 Durée : 2h 0min Genre : Musique Festival : L'opéra de Paris Metteur en scène : Pierre Audi Chef d'orchestre : Daniel Oren Orchestre : Orchestre Opéra National de Paris Solistes : Martina Serafin - Floria Tosca / Marcelo Alvarez - Mario Cavaradossi / Ludovic Tezier - Scarpia / Wojtek Smilek - Cesare Angelotti / Carlo Bosi - Spoletta / Andre Heyboer - Sciarrone Réalisation : Denis Caïozzi Production : Act4 Productions / Opéra National de Paris Costumes : Robby Duiveman
VIDEO. Le Barbier de Séville de Rossini à l'Opéra Bastille A propos Mise en scène avec énergie par le prometteur Michieletto, l'oeuvre de Rossini est un temps fort de la saison à Bastille Rossini, homme de l’année lyrique ? Après "La Pietra del paragone", "Otello", "Tancrède", voici "Le barbier de Séville" (d’après Beaumarchais), évidemment son chef-d’œuvre. Dans une mise en scène survitaminée du jeune vénitien Damiano Michieletto. Résumé Sans doute l’opéra bouffe le plus célèbre de l’histoire de la musique et une éternelle source de délices. Mais tous les remarquables ensembles sont originaux. Distribution Lieu : Paris Date : 25 septembre 2014 Durée : 2h 34min Genre : Musique Festival : L'opéra de Paris Auteur : Gioacchino Rossini Metteur en scène : Damiano Michieletto Chef d'orchestre : Carlo Montanaro Orchestre : Orchestre et Choeur de l’Opéra national de Paris Solistes : Réalisation : François Goetghebeur Chef des choeurs : José Luis Basso Lumières : Fabio Barettin Costumes : Silvia Aymonino Décors : Paolo Fantin
VIDEO. Dido & Aeneas de Purcell à l'Opéra de Rouen Haute Normandie A propos Résumé Opéra en 3 actes. Après le Bourgeois Gentilhomme, Cadmus et Hermione, et Egisto, le Poème Harmonique nous revient à la scène. Cette pièce, qui à l’époque, tenait de la combinaison hybride du théâtre et du masque (divertissement composé de chants, de danses, de musique instrumentale et de machinerie scénique à effets spectaculaires) permit au compositeur britannique de réaliser son idéal dramatique. Fuyant Troie, Enée fait escale à Carthage et tombe amoureux de la reine Didon. Distribution Lieu : Rouen Date : 13 mai 2014 Durée : 1h 15min Genre : Musique Festival : Opéras de France Compositeur : Henry Purcell Chef d'orchestre : Vincent Dumestre Orchestre : Orchestre du Poème Harmonique Danseurs : Sarasa Matsumoto, Sayaka Kasuya Solistes : Vivica Genaux - Dido / Henk Neven - Aeneas / Ana Quintans - Belinda / Marc Mauillon - Magicienne, Marin / Jenny Daviet - Dame d’honneur / Caroline Meng - Première Sorcière / Lucile Richardot - Deuxième Sorcière / Nicholas Tamagna - Esprit Réalisation :
musicologie et actualités musicales histoire-d-arts: Histoire de l'autoportrait et le thème de l'accumulation dans les oeuvres étudiées L'autoportrait est une représentation picturale de soi-même : Le peintre ou le dessinateur se représente lui-même. Connu depuis l’Antiquité, ce genre de représentation s’est imposée peu à peu : Tout d’abord, au 14eme siècle l’autoportrait apparaît discrètement dans certaines peintures à la façon d’une signature. Perdu parmi d’autres personnages ou caché dans une scène, le peintre perd discrètement son anonymat et devient reconnaissable. C’est le cas dans le tableau du peintre flamand Van Eyck : « Les époux Arnolfini » ou le peintre apparaît en bleu dans le miroir pendu au fond de la pièce, ainsi que dans le tableau de Boticelli : « L’adoration des mages », où le peintre s’est représenté à l’extrême droite du tableau, le regard dirigé vers le spectateur, l’invitant à regarder son tableau. Au 15ème siècle, la découverte de nouvelle techniques comme celle du miroir de verre, permet à l'autoportrait de s’imposer. L’autoportrait va rapidement devenir un outil d’introspection pour le peintre.
Encyclopédie de la musique : musicologie.org A : Désigne la note la dans les solfèges anglo-saxons ; a désigne aussi la tonalité ou l'accord de la mineur ; A, la tonalité ou l'accord de la majeur a battuta (italien) : en mesure, revenir à la battue a bene placito (italien) : à votre gré (ad libitum) ; anglais : as you like ; allemand : nach Belieben a cappella (italien), chanter sans accopagnement instrumental (relatif au chant religieux chanté à la chapelle). a capriccio (italien) : librement à deux : lorsqu'un pupitre de l'orchestre est divisé en deux, indique que les deux groupes (ou les deux instruments) doivent jouer la même partie a due (italien) : à deux a due corde (italien) : au piano, sur deux cordes (avec la «pédale douce») a due cori (italien) : à double choeur a mezza voce (italien) : à demi voix. a piacere [ a volontà] ( italien ) : librement ; anglais : at one's pleasure ; allemand : nach Belieben a prima vista (italien) : littéralement à première vue. a tempo primo (italien) : revenir au mouvement Abstrich (allemand) : tiré
La photographie en France I : de Niépce aux Lumière Pourquoi un dossier en ligne ? On trouve sur le Web, notamment anglophone, nombre d’images et de textes épars sur la photographie française et son histoire. Nous avons ressenti le besoin de rassembler des ressources, en langue française, afin d’apporter aux enseignants un outil pour l’enseignement d'histoire des arts. Un grand choix d’images du Département des estampes et de la photographie de la Bibliothèque nationale et de la Société française de photographie accompagnent la partie « Repères ». Ce dossier, plus particulièrement destiné aux professeurs des classes de première, en histoire des arts, ou préparant les élèves au baccalauréat professionnel de photographie, s’adresse également à tout enseignant menant un projet dans les domaines scientifique, technique, artistique ou culturel où la photographie peut trouver toute sa place.
Deleuze and Cinema Deleuze and Cinema by Kara Keeling The following selection of film clips from films discussed by French philosopher Gilles Deleuze were compiled in the Fall of 2009 by the participants in Professor Kara Keeling's Critical Studies graduate seminar on Deleuze and Culture at the University of Southern California. Throughout his cinema books, Gilles Deleuze refers to various films in order to illuminate what they make available to thought, given the theoretical approach to cinema Deleuze develops in his work with film. They are made available here for use by others working with Deleuze's Cinema 1: The Movement-Image and Cinema 2: The Time-Image. Seven Samurai and Deleuzeby Kurosawa Akira (1954)a clip from Kurosawa Akira's Seven Samurai that Deleuze mentioned in his writing Umberto D and Deleuzeby Vittorio De Sica (1952)a clip from Umberto D that Deleuze mentioned in his writing The Crowd and Deleuzeby King Vidor (1928)The clip is from The Crowd that Gilles Deleuze mentioned in his writing.
CINEMA 1: THE MOVEMENT-IMAGE - Listes List of films found In Gilles Deleuze’s Cinema 1: The Movement Image Missing From MUBI: Agatha et les lectures illimitées (Duras) An American Romance (Vidor) L’Amour d’une femme (Gremillon Anne Boleyn (Lubitsch) Bardo Follies (Landow) La Belle Nivernaise (Epstein)) The Bodyguard (Kurosawa) Boule de suif (Romm) The Castle of the Spider’s Web (Kurosawa) Chronicle of the May rain Enoch Arden (Griffith) Les Ensorceles (Minnelli) Europa ’51 (Rosellini) The Fatal Glass of Beer (Fields) La Fete espagnole (Dulac) Figures in a Landscape (Losey) Film (Beckett) The General Line (Eisenstein) Hearts of the World (Griffith… List of films found In Gilles Deleuze’s Cinema 1: The Movement Image Missing From MUBI: Agatha et les lectures illimitées (Duras) An American Romance (Vidor) L’Amour d’une femme (Gremillon Anne Boleyn (Lubitsch) Bardo Follies (Landow) La Belle Nivernaise (Epstein)) The Bodyguard (Kurosawa) Boule de suif (Romm) The Castle of the Spider’s Web (Kurosawa) Chronicle of the May rain
Truffaut par Truffaut Un site web en forme de journal intime, soit 15 chapitres qui sont autant de bornes dans la vie et la carrière de François Truffaut, et qui révèlent l'importance de ses archives dans les collections de la Cinémathèque française. Truffaut gardait tout, comme s'il avait construit de manière méthodique la mémoire de sa vie. Les grandes étapes de cette vie « rondement menée », vous les retrouverez ici au travers d'une narration riche en photographies, extraits, lettres et archives. Chaque chapitre sera l'occasion d'aborder ses thèmes de prédilection : l'enfance, la cinéphilie, le journalisme, les tournages, la littérature ou encore la musique. Vous y croiserez Robert Lachenay, Helen Scott, Alfred Hitchcock, Jean-Pierre Léaud, Catherine Deneuve, Gérard Depardieu...
Écouter la radio en direct! - Choisissez une radio! How to combine backgrounds and colors | Visme Blog When you start designing something new, it’s always hard to find the correct combination of background and text colors that complement each other to achieve a clean design that is legible and easy to understand. In this article we’re going to discuss a few easy to follow rules that will help you to design more professional text based graphics 1. Contrast One of the most important rules to follow when combining text with backgrounds is to have good contrast. In fact you can have a fantastic background (be it a color or an image) but if you don’t select the proper text color that is not overpowered by the background, your graphic will not be legible and clean. Notice how the text color is the same color as the background (but a darker tone). 2. Using textured background (including images) can help to support your content; but it can also negatively impact it. Tip: Use either a white or black color shape behind your text. 3. Not every font goes well with every background. 4. About the Author