Vincent Van Gogh,La Nuit Etoilee,(1889),analyse et etude de la toile et du style,post impressionnisme,art,culture,peinture Vincent Van Gogh, La Nuit Étoilée. (1889). La toile a été peinte en juin 1889 alors que depuis le 8 mai 1889, Vincent a décidé de lui-même d'entrer dans un asile près de Saint-Rémy-de-Provence où il va rester une année. L'œuvre au premier regard est extrêmement chaotique, tout est en mouvement. Pour cette raison il a été écrit que cette toile est le reflet de l'état pathologique de Vincent, le tableau est souvent qualifié d'œuvre morbide qui annonce le suicide de l'artiste l'année suivante, cette interprétation a toujours dominé. C'est oublier que pour Vincent " la folie est salutaire " ce qu'il désire avec ses volutes et ses tourbillons c'est nous aspirer dans la nature comme lui-même se sent aspiré car il perçoit la force qui y réside. La nature est ici représentée comme une puissance céleste où l'homme est absorbé physiquement : " jusqu'à l'extrême point où le vertige est inévitable ". Le point de vue su spectateur est assez haut il se situe au niveau du ciel. Toiles similaires :
De Vinci en pleine luminothérapie Voici Jean-Baptiste débarqué à l’instant des ténèbres, sans un bruit. Le baptizein est « celui qui émerge ». Sa silhouette à peine éclairée par une fumée dorée lui donne un air de génie sorti de sa lampe. Certaines frisettes de l’ado-prophète affleurent à peine de l’huile noire. Apparition photosensible, développement en cours. Jean-Baptiste, lui, nous fait un petit sourire en coin. Pour sortir des ténèbres, prière de suivre son doigt qui pointe la source de la lumière. Vinci pratique souvent les hommages à Jean-Baptiste, protecteur de Florence. Cette zone d’abîme recouvre bien des symboles. Mais il y a une autre version des ténèbres, moins catholique, plus antique. Cette idée d’un retour à l’unité – héritée de l’Antiquité – se retrouve dans le mythe de l’androgyne. Jean-Baptiste serait une étape intermédiaire. Une fois le mental purifié, on pourra alors accéder à l’étage du dessus, à l’état supérieur : la lumière, l’état de conscience ou Dieu.
Vincent Van Gogh,Nuit Étoilée sur le Rhône,1888,post-impressionnisme,éducation,enseignement,le rythme en peinture,analyse et etude de la toile et du style,art,culture,peinture Laisser un commentaire ou un avis : Vincent Van Gogh. Nuit Étoilée sur le Rhône. (1888). La toile a été peinte à Arles au bord du Rhône en septembre 1888. Le point de vue du spectateur se situe au niveau de la berge sous la ligne d’horizon. Les principaux reflets sont situés sur les lignes de force et sont proches des points naturels d’intérêts. Le ciel et l’eau occupent chacun plus d’un tiers de l’espace pictural. L’œuvre est construite sur la diagonale ascendante. Détails : L’origine des lumières est surtout les maisons, les reflets sont juste en dessous sur l’eau. Pour les reflets dans l'eau Vincent alterne de brefs coups de couteaux jaunes dorés et bleus marines en descendant. Ce couple dans la pénombre est bien isolé. Pour donner au ciel une telle allure de feu d’artifice Van Gogh représente les étoiles comme des fleurs, des dahlias jaunes… Lumière : C’est une logique verticale. Couleurs : Contrastes entre couleurs complémentaires. Toiles Similaires : Camille Pissarro.
Giuseppe Arcimboldo en 2 minutes En bref Surréaliste avant l’heure, Giuseppe Arcimboldo (1526–1593) a marqué l’histoire de l’art par ses têtes composées de divers éléments, comme des calembours visuels. Célèbre en son temps pour son sens de l’invention, ce peintre italien appartient à la curieuse famille des maniéristes. Arcimboldo fut un véritable artiste de cour auprès de la puissante famille des Habsbourg du Saint-Empire romain germanique. On a dit de lui « Ainsi va Arcimboldo, du jeu à la grande rhétorique, de la rhétorique à la magie, de la magie à la sagesse. » Roland Barthes, 1978 Sa vie Né à Milan, Giuseppe Arcimboldo est issu d’une famille de peintres. La notoriété d’Arcimboldo semble avoir été rapide, sans que l’on ne connaisse les voies qu’il a empruntées. Les « têtes composées » sont des natures mortes anthropomorphes qui jouent sur l’association entre l’inanimé et le vivant, l’illusion et le réel. Arcimboldo termine sa carrière, auréolé de gloire. Ses œuvres clés L’Hiver et L’Automne, 1573 L’Été, 1573
Eugène Delacroix,Le Bon Samaritain,1849,romantisme,éducation,enseignement,analyse et etude de la toile et du style,art,culture,peinture Laisser un commentaire ou un avis : Eugène Delacroix. Le Bon Samaritain. (1849). La toile évoque la parabole du bon Samaritain. Le point de vue du spectateur est situé au niveau de la tête du cheval et des épaules du Samaritain. Les corps des 2 hommes se trouvent sur les lignes de force et les points naturels d’intérêt. Vêtu de rouge, le Samaritain occupe une grande partie de l’espace pictural. La toile est construite sur la diagonale ascendante. Détails : A l’arrière plan : une cascade. Preuve de l’agression dont il a été victime le corps de l’homme et son visage sont maculés de sang. Le Samaritain est robuste et armé. Afin de mieux illustrer la parabole , Delacroix représente un prêtre, indifférent en train de s’éloigner. Lumière : La scène est éclairée d’en bas à droite. Couleurs : Harmonie entre couleurs chaudes. Toiles Similaires : Vincent Van Gogh. Rembrandt. Vitrail du Bon Samaritain.
<em>La Liberté guidant le peuple</em> d’Eugène Delacroix | Histoire et analyse d'images et oeuvres Achevé en décembre, le tableau est exposé au Salon de mai 1831. Il semble né d’un seul élan. Mais il découle des études faites pour les œuvres philhellénistes et d’une recherche nouvelle de détails et d’attitudes.C’est l’assaut final. La foule converge vers le spectateur, dans un nuage de poussière, brandissant des armes. Elle franchit les barricades et éclate dans le camp adverse. À sa tête, quatre personnages debout, au centre une femme. La Liberté Elle remplace d’Arcole. Les gamins de Paris Ils se sont engagés spontanément dans le combat. L’homme au béret Il porte la cocarde blanche des monarchistes et le nœud de ruban rouge des libéraux. L’homme au chapeau haut de forme, à genoux Est-ce un bourgeois ou un citadin à la mode ? L’homme au foulard noué sur la tête Avec sa blouse bleue et sa ceinture de flanelle rouge de paysan, il est temporairement employé à Paris. Les soldats Le paysage La couleur unifie le tableau.
Gustav Klimt,Le baiser,Analyse et explication du tableau. Gustav Klimt : Le Baiser. (1907 - 1908) Entre 1906 et 1909 Gustav Klimt peintre et graphiste autrichien symboliste et représentant de l’Art nouveau viennois recherche une autre expressivité pour ses oeuvres. Il s'inspire du symbolisme et des estampes japonaises. L'art doit avoir une nouvelle définition dans la société et cette recherche s'exprime ici avec le Baiser. Son art est fait de modernité et d’un rapport très étroit avec l'érotisme. L’artiste cherche à donner une dimension presque sacrée à sa toile. La plupart des oeuvres de Klimt donnent lieu à bien des interprétations, mais l’on peut voir dans Le Baiser, l'ultime accomplissement de la quête humaine du bonheur.
Chirico au musée de l'Orangerie : 5 œuvres pour comprendre la peinture métaphysique C'est cours des années 1912-1915, lors de son premier séjour parisien, que Giorgio de Chirico forge son vocabulaire plastique, sa peinture énigmatique qualifiée par Apollinaire de « métaphysique ». Le musée de l'Orangerie à Paris met en lumière la genèse de cette œuvre singulière, entre visions somnambules et inspirations philosophiques. Retour sur 5 œuvres à découvrir dans l'exposition jusqu'au 14 décembre. « Il faut découvrir le démon qui est en toute chose. Autour de moi le troupeau international des peintres modernes se démène stupidement parmi les formules rebattues et les systèmes stériles. Et moi tout seul dans mon triste atelier de la rue Campagne-Première, je commençais à entrevoir les premiers fantômes d’un art plus complet, plus profond, plus compliqué et, en un mot, au risque de donner des coliques hépatiques à un critique français, plus métaphysique. » Giorgio de Chirico, Valori plastici, 1918. 1. Peintre de la mémoire perdue, Chirico fait de la Grèce sa référence suprême.
Edgar Degas,L’Absinthe,1876,Impressionnisme,éducation,enseignement,analyse et etude de la toile et du style,art,culture,peinture Edgar Degas. L’Absinthe. (1876). Musée d’Orsay. Edgar Degas, à partir de 1867 a surtout peint des danseuses et des ballerines. Le point de vue du spectateur est situé en hauteur le regard est tout de suite attiré par les visages. La jeune femme se trouve sur les 3 lignes de force supérieures entre 2 points naturels d’intérêt. Espaces vides et espaces pleins sont parfaitement délimités. La grande diagonale descendante de gauche à droite isole totalement les 2 personnages du reste de l’espace pictural. Détails : Cette femme est totalement absente et pensive. Ce journal posé là relie les 2 tables au premier plan et contribue à isoler encore davantage les 2 personnes à droite. Voici la boisson. Lumière : La scène est éclairée de la droite. Couleurs : Harmonie d’analogie entre couleurs chaudes. Toiles Similaires : Edgar Degas.
Les musées chez soi - Histoire-géographie - Éduscol De nombreuses institutions culturelles proposent des visites virtuelles de leurs collections et des conférences accessibles en ligne. Le site Panorama de l’art – enrichi dans l’espace Éduthèque – propose des images d’œuvres d’art qui couvrent tout le champ de l’histoire de l’art, de la préhistoire jusqu’à nos jours. Les ressources sont indexées par périodes ou par entrées thématiques. Il est par ailleurs possible de découvrir et étudier, sans se déplacer, une importante sélection de tableaux, dessins, sculptures et autres œuvres d’art des musées. Aussi, le Grand Palais, le Centre Pompidou, la Bibliothèque nationale de France, le Louvre ou encore le Louvre-Lens ont mis en ligne des podcasts de leurs conférences en lien avec leurs dernières expositions. Autres actualités en lien :