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Graffiti

Graffiti
Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Un camion « graffé », à Paris Les graffitis sont des inscriptions ou des peintures réalisées sur des murs, des monuments ou des objets situés sur l'espace public. Les graffitis existent depuis des époques reculées, dont certains exemples remontent à la Grèce antique ainsi qu'à l'Empire romain[1] et peut aller de simples marques de griffures à des peintures de murs élaborées. Vocabulaire[modifier | modifier le code] Étymologie[modifier | modifier le code] Usage actuel[modifier | modifier le code] Ces graffeurs se font connaître en apposant leur signature, communément appelée « blaze »[4], ou celle du collectif (généralement appelé posse, crew ou squad) auquel ils appartiennent sous leurs œuvres, les murs, les métros ou encore les camions. Graffiti est le nom générique donné aux dessins ou inscriptions calligraphiées, peintes, ou tracées de diverses manières sur un support qui n'est pas prévu pour cela. Le « tag » est une signature. Related:  Pourquoi le "street art" prend-t-il une telle ampleur dans le moArts et époques

Tag Simon Hantaï au Centre Pompidou Peintre français d’origine hongroise, Simon Hantaï (1922-2008) est célèbre pour ses toiles pliées et dépliées aux couleurs éclatantes. La grande diversité de son art reste toutefois encore méconnue. Pour la première fois, la rétrospective du Centre Pompidou réunit 130 peintures, créées à partir de 1949 jusqu’aux années 1990. C’est l’occasion rare de découvrir ou relire l’oeuvre d’une vie : celle d’un explorateur, d’un chercheur de lumière et d’infini. Nous vous proposons une sélection de documents consultables à la Bpi sur l’une des figures majeures de l’abstraction. Portrait du peintre Simon Hantaï, vers 1970 © Édouard Boubat / Rapho Peindre les yeux fermés Simon Hantaï : artiste peintre Reportage de Pierre Desfons et Béatrice Caufman, avec la collaboration de Dominique Fourcade, Ina, 1981, vidéo, 14min 34s.Le peintre évoque sa carrière, ses projets, ses théories picturales. Simon Hantaï naît en 1922 à Bia (Hongrie). Il a dit Étude, 1969. La rétrospective Influences Lecture, écriture

Blog Message pouvant être transmit L’art de la rue, qui se présente sous la forme d’une intervention artistique urbaine tantôt tout à fait légale et planifiée, tantôt anonyme et dénonciatrice, appartient au paysage urbain et s’inscrit dans la culture même du milieu. Certaines œuvres ont le mérite de surprendre, d’autres de faire sourire, d’embellir ou simplement d’exprimer une idée, un état d’esprit. Une chose est sûre, l’art de la rue est partie prenante de l’art urbain qui contribue à la qualité du cadre de vie en s’intégrant au design urbain, au mobilier, à l’architecture et au paysage en général. Quand l’art se fait messager FilthyLuker est l’un des artistes de la rue qui laisse sa trace d’une façon plutôt originale. L’artiste brésilien Nele Azededo a créé récemment une œuvre éphémère symbolique surprenante: des centaines de petites sculptures de glace représentant des humains en position assise en pleine ville, sous le soleil. Banksy, célèbre créateur de graffiti, est un artiste très prolifique. L’art caméléon

Portail du Land Art - Art avec et dans la Nature Site Statut juridique de l'art urbain en France Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Le statut juridique de l'art urbain en France est complexe. On parle aussi de street art. Définitions[modifier | modifier le code] Art urbain ou street art[modifier | modifier le code] L'art urbain, ou « street art [1] », est un mouvement artistique contemporain. C'est principalement un art éphémère vu par un très grand public. Un graffiti, ici un lettrage « Wild-Style » en Allemagne.thumb|Création réalisée avec deux pochoirs.Mosaïque Space Invader à Dallas aux États-Unis.Affiche de Christer Pettersson à Stockholm en Suède.Détournement de panneaux "sens interdit" par le moyen d'un sticker de Clet Abraham. Supports[modifier | modifier le code] Les supports de l'art urbain peuvent être très variés : ici un train Le support est ce qui recevra la création. Statut d'une création : œuvre d'art ou non ? Si un juge est amené à définir le statut d'œuvre d'art, il s'appuie d'abord sur le caractère original de la création. Le droit d'auteur en France

Belle Epoque «Le dix-neuvième siècle, avec son idéalisme libéral, était sincèrement convaincu qu'il se trouvait sur la route droite qui mène infailliblement au «meilleur des mondes possibles». On ne considérait qu'avec dédain les époques révolues, avec leurs guerres, leurs famines et leurs révoltes, on jugeait que l'humanité, faute d'être suffisamment éclairée, n'y avait pas atteint la majorité. Il s'en fallait de quelques décades à peine pour que tout mal et toute violence soient définitivement vaincus, et cette foi en un progrès fatal et continu avait en ce temps là toute la force d'une religion. Déjà l'on croyait en ce «Progrès» plus qu'en la Bible, et cet évangile semblait irréfutablement démontré par les merveilles sans cesse renouvelées de la science et de la technique [...] Stefan Zweig en 1941 dans: Le monde d'hier - Mémoires d'un Européen

La calligraphie Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Calligraphie occidentale moderne La calligraphie est, étymologiquement, la belle écriture, l'art de bien former les caractères d'écriture manuscrite. Calligraphie orientale et occidentale[modifier | modifier le code] Presque toutes les civilisations qui pratiquent l'écriture ont développé un art de la calligraphie. Par ailleurs la place de cet art en Asie a été très différente de sa place en Occident, puisque l'apprentissage de l'art du trait était la base de la formation classique du peintre en Asie, dans des civilisations qui ne séparent pas la lettre et le dessin, le mot et l'image, le corps et l'esprit, le matériel et le spirituel. Elle est aussi en Occident l'art des moines copistes, mais aussi de grands calligraphes chargés de contribuer au prestige des souverains et de l’aristocratie. Calligraphie latine[modifier | modifier le code] Calligraphie extrême-orientale[modifier | modifier le code] Calligraphie d'Iris Yawén Hsú (徐雅雯)

Musée Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. La théorie économique des musées est un domaine de l'économie de la culture qui s'intéresse au fonctionnement économique des musées. Plus précisément, la théorie économique des musées analyse principalement l'activité des musées selon deux cadres[H 1]. Un musée peut en premier lieu être considéré comme une unité économique (comme une entreprise), considéré sous l'angle de la relation entre ses intrants (collections, budget, employés) et sa production (chiffre d'affaires, expositions, présence médiatique, publications scientifiques). Dans ce cadre, on peut également étudier l'effet des musées sur les autres secteurs sur le plan de l'emploi ou du chiffre d'affaires généré. Comme le reste de l'économie de la culture, la théorie économique des musées est une branche relativement récente de l'économie. Délimitation[modifier | modifier le code] La demande : pourquoi aller au musée ? Demande privée[modifier | modifier le code]

Giotto, le premier artiste Au XIVe siècle, en l'émancipant de son statut décoratif, Giotto révolutionne la peinture. C'est pour qualifier son génie que le poète Dante invente le mot “artiste”. Une anecdote célèbre raconte comment Giotto, enfant, fut remarqué par Cimabue, alors le plus grand peintre florentin du XIIIe siècle : le maître, passant à cheval, voit un jeune berger dessiner sur une ardoise une brebis d'un tel réalisme qu'il en est subjugué et embauche immédiatement l'enfant dans son atelier. C'est une légende. « Giotto changea l'art de la peinture. Mot toscan Jusqu'à l'écriture du Chant XIII du Paradis, le mot artiste n'existait pas. Ensemble, ils allèrent à Assise réaliser les fresques de l'église inférieure. Il y a un style Giotto. Dix-sept secondes par œuvre Du jardin, on peut voir les visiteurs patienter, assis dans des banquettes. Yves Farge ressent à peu près la même sensation que Proust lorsqu'il entre dans l'église supérieure d'Assise en 1937. Ouvrier du peuple

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