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Sophie Calle

Sophie Calle
Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Sophie Calle Sophie Calle (à gauche) et Alexandra Cohen Sophie Calle, née à Paris le 9 octobre 1953, est une artiste plasticienne, photographe, écrivaine et réalisatrice française. Depuis plus de trente ans, son travail d'artiste consiste à faire de sa vie, et notamment des moments les plus intimes, son œuvre en utilisant tous les supports possibles (livres, photos, vidéos, films, performances, etc.) Biographie[modifier | modifier le code] Sophie Calle est la fille de Robert Calle, cancérologue, ancien directeur de l'Institut Curie et collectionneur à l'origine du Carré d'art, le musée d'art contemporain de la ville de Nîmes. Après avoir été une « activiste pure et dure[2][réf. insuffisante] » — maoïsme, féminisme, Gauche prolétarienne, lutte pro-palestinienne au Sud-Liban, etc. — et avoir voyagé sept ans à travers le monde, Sophie Calle rentre à Paris. Dès lors, le travail de Sophie Calle cherche à créer des passerelles entre l'art et la vie. Related:  sepdores

La partition graphique et ses usages dans la scène improvisée 1La partition graphique et ses déclinaisons (partition texte, partition verbale, etc.) occupent dans l’histoire de la musique savante occidentale une place tout à fait singulière. Elles apparaissent quasi simultanément, dans le champ de la musique contemporaine, aux états-Unis avec l’école de New-York (Earle Brown, John Cage, Morton Feldman, David Tudor et Christian Wolff) et en Europe – de manière plus disparate – avec entre autres Sylvano Bussotti en Italie, Karlheinz Stockhausen et Dieter Schnebel en Allemagne, Cornelius Cardew en Angleterre ou encore Costin Miereanu en France. La partition graphique se développe essentiellement sur une courte période qui correspond aux années cinquante/soixante pour les états-Unis et les années soixante/soixante-dix pour l’Europe. 2Au même moment en Europe se constitue une catégorie de l’improvisation qui se caractérise par sa radicalisation. 1 Sur le concept de Genette et son utilisation dans l’analyse des partitions : cf. Kölhn, Du Mont Schauberg

Andres Serrano à Vence Andres Serrano est né à New-York en 1950. Depuis, ce photographe américain a fait du tabou et du dérangeant son domaine, abordant des sujets aussi sensibles et ancrés dans le temps que la mort, la religion ou l’exclusion sociale. Sulfureux, il aime aussi à capturer les corps et les visages dans un univers acidulé. Né de parents honduriens et haïtiens, Andres Serrano s’intéresse dès ses débuts aux problèmes sociaux et photographie des individus en marge (des SDF dans Nomads ou des membres du Ku Klux Klan). La Mort The Morgue (Death Unknown), 1992, Collection Lambert en Avignon, © Andres Serrano En 1991, Andres Serrano se rend dans une morgue pour photographier les corps venant de décéder. Portraits Nomads (McKinley), 1990, Donation Yvon lambert à l’Etat Français / Centre national des Arts plastiques / Dépôt à la Collection Lambert en Avignon, © Andres Serrano America (Anna Nicole Smith), 2004, cibachrome, Collection Lambert en Avignon, © Andres Serrano La religion Cuba Les armes

MariKo MoRi MariKo Mori photographiée par Michael Lavine en 1996 Les premiers travaux plastiques de la jeune femme prennent à revers le machisme japonais. On a souvent entendu parler de la place étroite qu’occupait la femme dans la société japonaise. En dehors de la gestion du foyer, la femme n’a guère d’importance sociale – le Japon est en cela comparable à nombre de pays ou cultures. Son propos n’est pas d’opposer homme et femme dans une lutte pour le pouvoir mais de démontrer leur différences qui font leur complémentarité. Si les qualités sont différentes, leurs valeurs respectives sont les mêmes. La scène nocturne, photographiée à Tokyo, nous montre Mariko Mori en prostituée cyborg, plantée au milieu des passants. Dans cette oeuvre photographique, l'artiste évoque une poupée-guerrière cyborg complètement idiote, les yeux grands ouverts, se servant de son sac à main comme d'un bouclier, postée à l'extérieur d'un magasin de jeux vidéo Akihabara. Entropy of love, 1996 Burning desire, 1997-98

Annette Messager 2000Peluches en acrylique, cordes, 300 x 540 cm. Collection MAC/VAL, musée d’art contemporain du Val-de-Marne. Acquis avec la participation du FRAM Île-de-France. Notice Combien de vies dans celle d’Annette Messager ! Toujours, et peut-être encore plus intimement aujourd’hui, à mesure qu’il devient plus grave, Annette Messager resserre son univers autour d’elle, « artiste messager » dans un monde de brutes. À l’occasion de son exposition rétrospective « The Messengers » à la Hayward Gallery (Londres, 2009), Annette Messager a réuni en une seule et même installation deux collections réalisées en 1972 : Collection pour trouver ma meilleure signature et Ma collection de châteaux. Si Annette Messager ne dénonce pas systématiquement les pratiques et obligations féminines, elle en fait la matière première de son travail en les utilisant pour mieux les déjouer et narguer les attendus.

ROBERT RAUSCHENBERG, COMBINES Dossiers pédagogiques Parcours exposition Introduction Quand créer est égal à combiner, assembler, intégrer La parodie et ses différents avatars La relation de l’œuvre au temps Bibliographie Introduction Après le Metropolitan Museum of art de New york, et le Museum of contemporary art de Los Angeles, le Centre Pompidou, Musée national d’art moderne présente, du 11 octobre 2006 au 15 janvier 2007, l’exposition « Robert Rauschenberg : Combines (1953-1964) ». Au début des années cinquante Rauschenberg commençait sa carrière artistique par des peintures monochromes blanches, noires, or et rouges, avec papier journal marouflé et peint produisant des effets de différentes textures. Comme le nom l’indique, les Combines sont des œuvres hybrides, qui associent à la pratique de la peinture celle du collage et de l’assemblage d’éléments les plus divers prélevés au réel quotidien. « Ce n’est ni de l’Art pour l’Art, ni de l’Art contre l’art. Quand crÉer est Égal À combiner, assembler, intÉgrer Catalogues

Louise Bourgeois Dossiers pédagogiques Parcours exposition Une exposition événement De l’image à la sculpture Le rôle du dessin Femme-maison, 1946-1947 Quarantania I, 1947-1953 Fillette (Sweeter Version), 1968-1969 La métamorphose comme principe de l’œuvre L’ambiguïté des matériaux, des formes, du sens Janus fleuri, 1968 Cumul I, 1968 Untitled, Sans titre, 1996 The Reticent Childs, 2003 La mémoire, source et sujet de création Sculpter l’espace du psychisme Precious liquids, 1992Cell (Choisy), 1990-1993Red Room (Parents), 1994Spider, 1997 Bibliographie sélective Plans de l’exposition Autour de l’exposition Une exposition ÉvÉnement Née en France en 1911 et vivant à New York depuis 1938, Louise Bourgeois est une des artistes majeures de la seconde moitié du 20e siècle et du début du 21e. Basée sur la mémoire, l’émotion, la réactivation des souvenirs d’enfance, elle obéit à une logique subjective, usant de tous les matériaux et de toutes les formes. De l’image À la sculpture Le rÔle du dessin Bibliographie sÉlective

Theo Jansen Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Theo Jansen (devant une de ses œuvres) Sur les autres projets Wikimedia : Theo Jansen, sur Wikimedia Commons Theo Jansen est un artiste sculpteur néerlandais du courant de l'art cinétique, qui se base sur l'art du mouvement que ce soit à travers des œuvres mobiles ou des illusions optiques. Ses œuvres sont notamment caractérisées par des sortes de myriapodes géants réalisés avec des tubes en plastique (PVC) et des bouteilles (vides), se mouvant grâce à la force du vent. La particularité de son travail est de s'inspirer de la théorie de l'évolution génétique (sélection + reproduction (avec variantes aléatoires) du plus performant) pour guider l'évolution du design de ses sculptures mobiles quasi-autonomes (qu'il nomme « créatures »). Il nomme ses créations des « Strandbeest » (bêtes de plage). Références[modifier | modifier le code] Liens externes[modifier | modifier le code] Strandbeest.com [archive]

Richard Serra, la sculpture monumentale à l’épreuve du post-minimalisme Figure majeure de l’art post-minimaliste, le sculpteur contemporain américain Richard Serra a choisi le métal comme matériau principal de son œuvre. Aboutissant à de véritables sublimations du métal, ses œuvres à la beauté étrange et presque menaçante, étonnent et interpellent le spectateur, créent parfois la polémique, mais ne laissent jamais indifférent. Richard Serra est né en 1939 à San Francisco. Un de ses premiers souvenirs remonterait à 1943 : le jour de son quatrième anniversaire, l’enfant découvre le lieu de travail de son père, un chantier naval : « Quand nous sommes arrivés, se souvient-il, un cuirassé noir, bleu, orange se balançait pour ainsi dire sur un perchoir. Le tout était disproportionnellement horizontal, et ressemblait, aux yeux d’un enfant de quatre ans, à un gratte-ciel allongé […]. Oeuvres des débuts, un anti-forme? Les environnements urbains et naturels La découverte du métal Trois expositions monumentales Marie – Rédactrice Tous ses articles Twitter WordPress:

Les raccourcis clavier Sites pour l'éducation à l'image • ACAP Ressources - Portail ressources éducation aux images de l'ACAP • ACRIMED - action critique médias- Observatoire critique des médias - Association-carrefour qui réunit des journalistes et salariés des médias, des chercheurs et universitaires, des acteurs du mouvement social et des "usagers" des médias. Sous la présidence de Henri MALER, universitaire de Paris 8. • ADEIF Vidéo - Education à l'image et aux médias audiovisuels en Loir et Cher • AEEMA - Association Européenne pour l’Education aux Médias Audiovisuels. • AFECCAV - Association Fançaise des Enseignants et Chercheurs en Cinéma et Audiovisuel. • ALCA - Ecrit, cinéma, livres, audiovisuel en Aquitaine • Analyse de séquences - par Patrick Le Goff. • APTE - Audiovisuel Pour Tous en Education est un mouvement d'éducation aux médias, ouvert à tous; un réseau d'animateurs images/médias ; un organisme développant des dispositifs et des outils pédagogiques, des actions de formation et d'accompagnement. • CANOPÉ - Arts visuels

L'Internaute Voyage - Voyages, destinations de vacances, et guides pratiques Vacances scolaires Compagnie aérienne Aujourd'hui Europe 20 bonnes raisons de partir à la découverte de l'Islande en hiver Aussi captivante que mystérieuse, l'Islande est devenue une destination de plus en plus prisée en Europe. Vidéos Focus Forum Les dernières questions En images Guides de voyage Destinations les plus consultées En France Vols

Visiter Barcelone pour la 1ère fois : conseils et astuces Le blog voyage OneDayOneTravel vous donne toutes les astuces et les meilleurs conseils pour organiser au mieux votre premier séjour à Barcelone et visiter Barcelone dans les meilleures conditions. Lors d’un voyage en Espagne, la capitale catalane Barcelone est incontournable. Ville des fêtards mais aussi capitale de la culture européenne, Barcelone est une ville attachante, fascinante et en perpétuel renouvellement. Avis aux voyageurs Lorsqu’on veut visiter Barcelone pour la première fois, on tombe très vite amoureux du mode de vie de ses habitants, des barcelonais, et de l’atmosphère détendue de la ville. Pour en savoir plus sur nos voyages à Barcelone et visiter d’autres quartiers, cliquez sur notre page dédiée au City guide Barcelone. Commençons par situer les principaux quartiers de Barcelone. Cliquez sur l’image suivante pour consulter tous nos récits et conseils quartier par quartier pour bien visiter Barcelone : Les soldes d’été 2015 à Barcelone ont lieu Comment accéder à Barcelone ?

créer un book Créer un Book ou Portfolio est une tache bien compliquée souvent alors qu'on pense que c'est tellement simple! Mais ça doit etre simple finalement et surtout restez fidele à vous même, n'en faite pas trop pour rester simple et cohérent. Pourtant c'est une étape importante car la présentation va mettre en valeur votre travail alors il faut faire tres attention et se poser des questions avant de commencer...La présentation peut se faire sur n'importe quel support papier, dans un cahier de taille plus ou moins grande, ou en page séparées, en un dépliant même...Il y a tant de possibilités!

Les Noces de Cana Appelé à Venise en 1553, Véronèse ne cessera d'exercer son talent de décorateur, apte à brosser d'immenses toiles où s'allient l'autorité scénographique, la somptuosité des costumes modernes et l'éclatante luminosité du coloris. Les Noces de Cana ornaient le réfectoire construit par Palladio pour les Bénédictins de l'île de San Giorgio Maggiore. L'épisode sacré est transposé, avec une liberté iconographique souveraine, dans le cadre fastueux d'une noce vénitienne. Une scène biblique dans une fête vénitienne À Cana, en Galilée, le Christ est invité à un repas de mariage au cours duquel il accomplit son premier miracle. Le profane et le sacré Véronèse mêle le profane et le sacré pour planter le décor. La commande Les bénédictins du couvent San Giorgio Maggiore à Venise commandent cette immense toile en 1562 pour orner le nouveau réfectoire.

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