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Haruki Murakami

Haruki Murakami
Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Pour les articles homonymes, voir Murakami. Haruki Murakami Murakami en août 2009 à la réception de son prix Jérusalem. Œuvres principales Signature Haruki Murakami[NB 2] (村上 春樹, Murakami Haruki? Murakami est également reconnu au Japon comme traducteur de l'anglais en japonais (des romans d'une vingtaine d'auteurs de genres divers, dont tout Raymond Carver, mais aussi de F. Revendiquant des influences allant de Chandler à Vonnegut en passant par Brautigan et Kafka, Murakami est apprécié pour son style de réalisme magique où la quête picaresque se teinte de surréalisme et où le roman policier flirte avec le fantastique, malgré les aspects mélancoliques de ses narrateurs qui évoquent obliquement des thèmes comme la solitude et l'aliénation postmodernes dans les sociétés capitalistes. Biographie[modifier | modifier le code] Regards sur l'œuvre[modifier | modifier le code] Thèmes[modifier | modifier le code] Le fantastique Le détachement La musique 1991. Related:  Artistes - Arts plastiques

Gatsby 2011 - Romans « Touche pas au Gatsby, s… ! » S’agissant d’une traduction d’un roman paru en 1925, le violent coup de gueule de Frédéric Beigbeder, l’autre jour, dans les colonnes du « Figaro Magazine », avait de quoi surprendre. C’est que de lire son texte fétiche dans une nouvelle version, avec en couverture le seul nom de « Gatsby » (au lieu du « Gatsby le Magnifique » habituel) lui fit monter la moutarde au nez: « Le travail de cette universitaire est sûrement très respectable mais il donne la même impression que d’entendre un standard des Beatles massacré dans un karaoké par un étudiant en musicologie ne tenant pas le gin-tonic. » Face au « salope » peu fitzgéraldien de Beigbeder, la romancière Julie Wolkenstein affichait en tout cas une sérénité à toute épreuve. Dans le cas de « Gatsby », tombé il y a quelques mois dans le domaine public, c’est la relecture tardive du livre qui décida Julie Wolkenstein à en reprendre la traduction. « Je l’avais lu deux fois, à l’adolescence. Didier Jacob

Takashi Murakami Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Pour les articles homonymes, voir Murakami. Takashi Murakami Murakami Takashi Murakami Takashi Murakami (dans l'ordre japonais Murakami Takashi 村上 隆), né le à Tokyo, est un artiste plasticien japonais. Biographie[modifier | modifier le code] Takashi Murakami est né à Tokyo dans l'arrondissement de Itabashi. Dans une vente aux enchères en 2001 à New York, une sculpture de Takashi Murakami atteint un prix dépassant les 420 000 euros[2]. Murakami collabore avec la marque de maroquinerie de luxe Louis Vuitton. Considéré comme l'un des chefs de file du néo-pop japonais dit Superflat, mouvement dont il est l'initiateur[5], il revendique l'héritage de Warhol[6] et du pop art américain, tout en analysant la manière dont l'art japonais peut trouver une autonomie face au modèle occidental. Le 21 juin 2011 Google utilisa un "doodle" créé par Takashi Murakami. Démarche artistique[modifier | modifier le code] Œuvres principales[modifier | modifier le code]

UN IMMENSE BEST-SELLER AU JAPON • Pour la bonne cause | Courrier Au fil des plus de mille pages de ce roman d’amour, de suspense et d’épouvante, Haruki Murakami sonde les profondeurs de la société contemporaine. 9 juillet 2009 | Partager : Biographie Haruki Murakami, est né à Kyoto en 1949. 1Q84 Ed. Le nouveau roman d’Haruki Murakami, 1Q84*, dont l’action se déroule en 1984 [en japonais Q se prononce comme 9], peut se lire de multiples manières. La colonisation japonaise de la Mandchourie et de la Mongolie, le sort des Coréens abandonnés sur l’île de Sakhaline à la fin de la dernière guerre, une communauté agricole fondée sur le rejet de la propriété privée, un mouvement chrétien qui refuse les transfusions sanguines, une secte inspirée du bouddhisme ésotérique, le meurtre d’une employée de la Tokyo Electric [qui menait une double vie, économiste le jour et prostituée la nuit] : tous ces faits réels font aussi de 1Q84 un excellent roman historique, qui permet de s’interroger sur l’histoire contemporaine. * Critique littéraire.

Richard Prince Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Vie et œuvre[modifier | modifier le code] En 2004, Prince illustre l'album Sonic Nurse des Sonic Youth. En 2008, lors de la soirée finale de son exposition au musée Guggenheim de New-York, des mannequins, des infirmières masquées, ont présenté la nouvelle collection de sacs créés pour l'entreprise de luxe Louis Vuitton. Démêlées judiciaires[modifier | modifier le code] Fin 2008, le photographe Patrick Cariou porte plainte contre Richard Prince pour atteinte au droit d'auteur, Richard Prince ayant utilisé des photographies du livre Yes Rasta de Cariou pour réaliser des collages[1]. Cote[modifier | modifier le code] Expositions[modifier | modifier le code] 2012 : "Pre-appropriation works, 1973-1974 - Richard Prince", galerie mfc-michèle didier, Paris.2012 : "Prince/Picasso", musée Picasso, Malaga, Espagne.2011 : « Richard Prince. Notes et références[modifier | modifier le code] Voir aussi[modifier | modifier le code]

JAPON • Murakami redessine le paysage littéraire | Courrier inte Un mois après sa parution, le nouveau roman de Haruki Murakami bat tous les records de vente. Et ses retombées ne se limitent pas au monde de l’édition. Le succès du nouveau roman de Haruki Murakami, 1Q84*, paru le 29 mai aux éditions Shinchosha, ne se dément pas. Dans le magasin principal d’une autre grande chaîne de librairies tokyoïte, Maruzen, dans le quartier d’affaires de Marunouchi, 90 % des arrivages sont écoulés dans la journée. Plus abordable que les ouvrages précédents En février 2009, il est allé recevoir en Israël le prix Jérusalem pour la liberté des individus dans la société. Depuis quatre ans, les ventes de livres et de magazines n’ont jamais cessé de baisser, et le monde de l’édition, qui se trouve dans une conjoncture difficile, voudrait bien profiter du phénomène Murakami comme d’un tremplin pour reprendre des couleurs. L’effet 1Q84 ne se limite pas au monde du livre. * En japonais, la lettre q se prononce “kyu”, comme le chiffre 9.

Mike Kelley Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Pour les articles homonymes, voir Kelley. Biographie[modifier | modifier le code] Le travail de Kelley est inspiré par diverses sources, telles que l'histoire, la philosophie, la politique, la musique underground, les arts décoratifs et l'expression artistique du milieu ouvrier. Son art montre souvent des problèmes de classe et de sexe comme des problèmes de norme, de criminalité et de perversion. En novembre/décembre 2005, son exposition la plus ambitieuse, intitulée Day is Done remplit la Gagosian Gallery avec des installations multimédias, comprenant des meubles automatisés et des films de cérémonies oniriques, inspirés par les livres d'or des lycées, les matches de sport et les productions théâtrales[4]. En 1993, une rétrospective sur son œuvre est présentée à New York au Whitney Museum. Il expose à la Metro Pictures de New York depuis 1982. Il expose au Stedelijk Museum d'Amsterdam en compagnie de Robert Crumb, Jim Nutt, H.C.

Andreas Gursky Andreas Gursky, 99 Cent II Diptychon, 2001, C-print mounted to acrylic glass, 2x 207 x 307 centimeter. Andreas Gursky, Chicago Board of Trade II, 1999, C-print mounted to plexiglass in artist's frame 73 x 95 inches. Andreas Gursky, Rhein II, 1999, C-print mounted to plexiglass in artist's frame, 81 x 140 inches. Andreas Gursky, Shanghai, 2000, C-print mounted to plexiglass, 119 x 81 inches. Education[edit] Gursky was born in Leipzig in 1955, but grew up in Düsseldorf, the son and grandson of commercial photographers. Career and style[edit] Before the 1990s, Gursky did not digitally manipulate his images.[5] In the years since, Gursky has been frank about his reliance on computers to edit and enhance his pictures, creating an art of spaces larger than the subjects photographed. "The first time I saw photographs by Andreas Gursky...I had the disorienting sensation that something was happening—happening to me, I suppose, although it felt more generalized than that. Exhibitions[edit]

Mike Kelley, la mort du «Marcel Duchamp californien» L'artiste-phare de la scène californienne s'est donné la mort chez lui le 31 janvier à Los Angeles. Il avait 57 ans. La nouvelle de la mort de Mike Kelley, mardi soir à Los Angeles, a sidéré le monde de l'art contemporain. Comme l'a annoncé dès mercredi soir le site du Figaro, l'artiste -phare de la scène californienne a été retrouvé mort mardi soir par la police à son domicile de South Pasadena. De bonnes sources, nous savons déjà que l'artiste, assez lunatique en temps normal, mélancolique depuis des mois et fortement ébranlé par une rupture sentimentale, s'est suicidé en associant gaz et somnifères. Plasticien de l'étrange, cette forte personnalité mêlait haute culture et basse culture, musique et arts plastiques. Mike Kelley. Né en 1954 dans la banlieue de Detroit, Michigan, Mike Kelley était le fils révolté d'une rigide famille de la «middle class» américaine d'origine irlandaise. Le CD censuré de Sonic Youth » Mort de l'artiste Mike Kelley

Olafur Eliasson : «L'artiste parle avec son corps» Danois d'origine islandaise, cet inventeur a ébloui le public par ses œuvres en forme de mirages naturels. Il est de passage à Paris pour l'exposition Danser sa vie au Centre Pompidou. «Je suis islandais pour les Danois et danois pour les Islandais !» s'amuse Olafur Eliasson, né à Copenhague, en 1967, de parents islandais. Ce «magicien de la Terre » a campé des cascades autour de Manhattan, teint en vert les rivières suédoises, transformé la Tate Modern en miracle de la lumière. LE FIGARO. - Pourquoi participez-vous à «Danser sa vie ? Olafur ELIASSON. - En tant qu'artiste, je veux voir une exposition aussi par l'intermédiaire de mon corps. Green River, Moss, Norvège, 1988. Vous vous réclamez de Rudolf von Laban, visionnaire des années 1920? Ses maquettes - de 1915 ! L'exposition célèbre la fusion des arts. Autour de moi à Berlin, j'ai des danseurs, des performeurs, des architectes, des historiens de l'art et des scienti­fiques. Artistes et danseurs, même combat? The Weather project.

Olafur Eliasson Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Pour les articles homonymes, voir Eliasson. Olafur Eliasson est un artiste contemporain danois, né à Copenhague le 15 février 1967. Dès 1993, il s'établit à Cologne puis à Berlin en 1994. L'une des spécificités de son travail réside dans l'intérêt qu'il porte à la surface, la structure cristalline, les déformations, la lumière et ses effets, la couleur, les formes géométriques sans oublier la dimension narrative, dans le sens où ses œuvres laissent facilement une trace dans la mémoire sous forme d'image ou de sensation. Olafur Eliasson qualifie son atelier de studio-laboratoire où le questionnement, la recherche et l'expérimentation constituent la base essentielle de sa démarche artistique. Son œuvre explore la relation existant entre la nature et la technologie, comme lorsque des éléments tels que la température, l'olfactif ou encore l'air se convertissent en partie en éléments sculpturaux et en concepts artistiques[1]. Beauty, Beauté - 1993

Bertrand Lavier Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Bertrand Lavier est un artiste plasticien contemporain français né à Châtillon-sur-Seine (Côte-d’Or) le 14 juin 1949. Il vit et travaille à Paris et à Aignay-le-Duc (Côte-d’Or). Analyse de l'œuvre[modifier | modifier le code] Depuis le début des années 1970, Bertrand Lavier interroge les rapports de l'art et du quotidien ainsi que la nature de l'œuvre d'art en plaçant dans un environnement socialement identifié comme lieu d'exposition d'œuvres d'art, des objets empruntés à la vie courante, modifiés ou hybridés de façon à ce que leur statut même s'en trouve mis en question. Pendant les années-là, il réalise des travaux photographiques puis repeint des objets dans le cadre d'une réflexion sur la peinture : il recouvre un piano, une fenêtre, un réfrigérateur ou encore un miroir d'une épaisse couche de peinture tout en reprenant les couleurs d'origine des objets peints. Principales œuvres[modifier | modifier le code]

Pierre Huyghe Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Pour les articles homonymes, voir Huyghe. Pierre Huyghe, né le 11 septembre 1962 à Paris, est un artiste français, plasticien, vidéaste, architecte et designer. Biographie[modifier | modifier le code] De 1982 à 1985, il étudie à l'École supérieure des arts décoratifs de Paris. il intègre et devient cofondateur du collectif « Les frères Ripoulin ». En 1995, il crée l’association des Temps libérés, au Nouveau Musée/Institut d'art contemporain de Villeurbanne. Un an plus tard en 1998, il expose avec Dominique Gonzalez-Foerster et Philippe Parreno. Il est lauréat du prix Hugo Boss en 2002 délivré par le Metropolitan Museum of Art de New York. En 2010, La même année, Pierre Huyghe achève l'expérience The Host and the Cloud. En 2010 il reçoit le prix de l'artiste contemporain étranger décerné par la fondation américaine Smithsonian à Washington, et en 2013 il est lauréat du prix Haftmann de la fondation zurichoise éponyme.

Damien Hirst Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Pour les articles homonymes, voir Hirst. Damien Hirst Biographie[modifier | modifier le code] Ses résultats scolaires ne lui permettent d'entrer au lycée que grâce à l'intervention de son professeur d'art. Dès les années 1980, il mène de front un travail de sculpteur et de commissaire d'exposition qui marque la naissance du courant des Young British Artists. À partir de 1991, pour « que l'art soit plus réel que ne l'est une peinture », il travaille sur une série constituée de cadavres d'animaux (cochon, vache, mouton, requin, tigre, etc.). Depuis 1993, il monte en parallèle une suite de peintures monochromes ponctuées de papillons naturalisés (I Feel Love, 1994-1995). Le 21 juin 2007, une de ses œuvres, Lullaby Spring, une armoire à pharmacie métallique contenant 6136 pilules faites à la main et peintes individuellement a été vendue 19,2 millions de dollars (14,34 millions d'euros) par la célèbre salle de vente londonienne Sotheby's.

Jeff Koons Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Jeff Koons Jeff Koons en 2009. Œuvres réputées Puppy (1992) ; Balloon Dog (1994-2000) Biographie[modifier | modifier le code] Son Inflatable Rabbit, lapin gonflable réalisé en inox en 1986, et ses Balloon Dogs sont aujourd'hui reconnus par les plus grands collectionneurs, dont François Pinault, comme des œuvres emblématiques de la fin du XXe siècle[réf. nécessaire]. Il s'approprie des objets et essaie de comprendre « pourquoi et comment des produits de consommation peuvent être glorifiés ». En 1991, il se marie avec l'actrice porno Ilona Anna Staller, dite Cicciolina, avec qui il réalise des œuvres provocatrices qui le rendent célèbre auprès du grand public. Œuvre[modifier | modifier le code] Puppy, musée Guggenheim de Bilbao. L'une de ses dernières créations, Split-Rocker, est une sculpture réalisée avec plus de 100 000 fleurs. Cote[modifier | modifier le code] Expositions (sélection)[modifier | modifier le code] Sur les autres projets Wikimedia :

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