L’ombre dans l’art L’origine de l’art de l’ombre est très ancienne et certains la font remonter à la légende, racontée par Pline l’Ancien, de Dibutade fille du potier corinthien Boutadès, dessinant, sur le mur, pour garder son image, l’ombre de son amant qui s’en va. Le mythe fut considéré au début XVIIIe siècle comme l’origine de la peinture et donna lieu à de nombreux tableaux. Joseph-Benoît Suvée ( 1743-1807 ), Dibutade ou l’Origine du dessin, 1791-1793, Groeningemuseum Bruges Le tableau ci-dessous a été peint cent ans plus tard et fait référence à l’histoire de Dibutade. L’oeuvre de Friant devint même une origine de la peinture. Il s’agit aussi d’un couple qui va être séparé, leurs ombres peintes sur le mur resteront pour toujours ensemble. Mais remontons à la Préhistoire avec cette énigme nous posant la question de l’origine de l’art: serait-ce l’ombre ? Dans l’Egypte antique. Selon les Anciens Égyptiens, l’Ombre (shout) est une composante à part entière de la personnalité humaine. Charles Burns
La lumière dans l'art et dans tous ses états Part 3 Aujourd’hui il sera question d’espace. Nous verrons les dessins de lumière avec le light painting, les écritures de lumière et la lumière qui redessine le paysage. Puis nous soulignerons que la lumière peut sculpter l’espace, redéfinir le paysage l’amplifier et le révéler autrement. Pour trouver le début du dossier sur la lumière dans l’art : la lumière dans l’art et dans tous ses états Part 1 et Part 2 Dessin de lumière Le premier travail de la lumière est venu littéralement d’un cas de sérendipité, une rencontre fortuite avec des effets perturbateurs : la visite du photographe de LIFE magazine, Gjon Mili, à Pablo Picasso dans son atelier à Vallauris dans le sud de la France, en 1949. Picasso photographié par Gjon Mili, 1949 A cette occasion, l’artiste a montré à Mili certaines expériences menées dans les années précédentes en attachant une petite ampoule à la chaussure d’un patineur et photographier la traînée de lumière comme un dessin dans l’espace. Picasso photographié par Gjon Mili
La couleur dans l’art (article en cours de rédaction) Une promenade de la couleur dans l’art à travers les âges et ses métamorphoses, son incarnation lente mais fulgurante au XXème siècle où elle devient un matériau à part entière sont les propos de ce nouvel article. « Un tableau est essentiellement une surface plane, recouverte de couleurs, en un certain ordre assemblées » Maurice Denis Mais laissons d’abord s’exprimer les poètes: « La terre est bleue comme une orange. » Eluard La terre est bleue comme une orange » est une métaphore (Procédé qui consiste, par analogie, à donner à un mot un sens qu’on attribue généralement à un autre.) qui dans une première lecture peut apparaître absurde mais qui finit par imposer sa légitimité et ne cesse plus à qui la médite de livrer ses richesses. A noir, I rouge, U vert, O bleu : voyelles, Je dirai quelque jour vos naissances latentes :A, noir corset velu des mouches éclatantes Qui bombinent autour des puanteurs cruelles, Arthur Rimbaud Couleurs Gaston Bachelard Les pigments:
La lumière dans l'art et dans tous ses états Part 2 Pour faire suite à l’article la lumière dans l’art et dans tous ses états Part 1 nous continuerons le panorama lumineux. Nous allons voir que les progrès technologiques sont inextricables de l’évolution artistique. Aujourd’hui la perception, la photographie, les écrans de lumière, la lumière matière et l’ombre de la lumière ! Un passage par le mouvement futuriste dont la démarche est orientée par le mouvement et les progrès de l’industrialisation nous apprend que Giacomo Ballà commence par s’intéresser à la diffraction de la lumière des lampadaires nouvellement arrivés dans les villes européennes. Giacomo Ballà, Lampadaire à arc, 1909 © Moma Luigi Russolo – Dynamisme d’une automobile, 1912-13, huile sur toile, 104cm x 140cm. Le Futurisme, en Italie, connait ses débuts avec le manifeste en Avril 1910 de Luigi Marinetti. Luigi Russolo, interpénétration de la lumière d’une maison et du ciel, 1912 Charles Lapicque, 1898-1988 (France), CROISEUR AU MOUILLAGE DE SAINT MARC LA NUIT Nam June Paik
La femme dans l’art La femme n’a pas toujours été admise dans le champ artistique comme « artiste » à part entière. Pourtant, déifiée, représentée en héroïne durant la Préhistoire et l’Antiquité, c’est assez tardivement qu’elle s’est hissée au rang de créatrice à l’égal de l’homme. L’art du textile était par exemple une de ses activités songeons à Pénélope. C’est au XIX ème siècle qu’elle rentre dans la scène artistique avec une poussée bien revendiquée au XXème siècle. Nous verrons d’abord sa représentation dans l’art de la Préhistoire à nos jours pour voir enfin une sorte d’anthologie des artistes femmes dans l’histoire de l’art. 1.La représentation de la femme La femme dans la Préhistoire: Vénus de Willendorf Les formes sont adipeuses pour montrer la fécondité dit-on. La femme dans l’Egypte Antique: Dans l’Egypte Antique, la femme a une place importante, considérée comme la complémentarité de l’homme. Égypte antique,mésopotamie,antiquité Les déesses les plus importantes sont : Aphrodite détachant sa sandale
La lumière dans l'art et dans tous ses états Part. 1 Le blog reprend du service en lumière. Savez-vous que 2015 a été déclarée Année internationale de la lumière par l’Unesco ? Une occasion de vous parler de la lumière dans les arts plastiques. La compréhension des phénomènes lumineux est également une ouverture naturelle vers la physique. Thomas Edison (1847-1931) Pionnier de l’électricité, il serait également l’un des inventeurs du cinéma et de l’enregistrement du son. Aujourd’hui notre regard se portera essentiellement sur les différentes manifestations de la lumière dans les arts. La lumière représentée, symbolisée La lumière revêt une charge symbolique forte, associées au pouvoir de la divinité et/ou du roi. Aton, le dieu solaire. En Egypte, Le Soleil Râ est aussi appelé Atoum. Aménophis III se dit Roi-Soleil Dieu du soleil maya Dieu soleil inca Les 4 soleils aztèques La déité du Soleil est incarnée par Hélios et Apollon dans le monde gréco-romain. Apollon La lumière dans le propos religieux Icône bysantine, Triptyque. Icône de la Dormition.
Les animaux dans l’art De tous temps, l’animal a été représenté puis utilisé dans le domaine artistique. Aujourd’hui, des oeuvres constituées d’animaux morts ou tués au nom de l’art posent la question de l’éthique animale. Jusqu’où pouvons-nous aller ? Les animaux dans la préhistoire: La représentation des animaux dans la peinture est particulièrement ancienne puisqu’on la retrouve dans les premières peintures de la Préhistoire (art rupestre et art pariétal) comme les grandes fresques murales de la grotte Chauvet. Les animaux dans l’Antiquité Durant l’Antiquité, dans l’Égypte antique on trouve de nombreuses représentation de figures d’animaux dont beaucoup avaient une signification religieuse. Sur cette fresque murale dans une tombe égyptienne du XIVe siècle avant J. Les animaux pendant le Moyen-âge L’art du Moyen Âge est principalement un art sacré qui reflète la relation privilégiée entre Dieu et l’homme, créé à son image. La Dame à la Licorne montre des animaux fantastiques . Guido Riccio da Fogliano détail:
Dans la lumière de Vermeer : focus sur La Cour d'une maison à Delft de Pieter de Hooch Cour d'une maison à Delft synthétise le génie de Pieter de Hooch. Fin observateur de la vie quotidienne, ce contemporain de Vermeer était aussi un metteur en scène virtuose de l'espace. Actif à Delft de 1654 à 1660, Pieter de Hooch (1629-ap.1684) y produit sans doute la meilleure partie de son œuvre. Du moins développe-t-il un certain nombre de thèmes qui devaient assurer sa réputation. Ainsi, à côté des joyeuses compagnies et des vues urbaines, l’artiste se distingue par ses scènes domestiques, en intérieur aussi bien qu’en extérieur, comme dans Cour d’une maison à Delft. Pieter de Hooch, La Cour d’une maison à Delft, 1658, huile sur toile, 73,5 x 60 cm ©Londres, The National Gallery L’école delftoise Originaire de Rotterdam, le peintre s’installe en 1654 à Delft, où il a déjà fait plusieurs séjours. Le tableau est le lieu d’une visibilité contrariée, symbolisée par le volet qui, ouvert, continue de cacher. Effets de perspective Hygiène et pureté morale
Le fil dans l’art contemporain Le fil dans l’art contemporain Le fil a un statut particulier chez les artistes. Informe et malléable, il peut prendre toutes sortes de formes. La Dentellière de Vermeer montre une peinture » en train de se faire » sur la toile partant des fils représentés par des coulures jusqu’à ceux ouvragés de la jeune femme en train de broder. Les trois stoppages étalon de Marcel Duchamp Judith Scott est née sourde, muette et atteinte du syndrome de Down. Ce diaporama nécessite JavaScript. Chiharu Shiota crée des installations spectaculaires avec des fils. Annette Messager accorde une place importante au fil, au filet dans ses oeuvres. Javier Pérez avec ses oeuvres inquiétantes, informes grâce aux matériaux utilisés. Debby Smith crée de véritables dessins avec des fils et des aiguilles Devorah Sperber conçoit des installations de bobines qui dans une lentille de verre montreront des reproductions de peintures célèbres. Piet.sO, L’esprit du blanc Ana Teresa Barboza Vous avez aimé ? Piet.sO, L’esprit du blanc
Renoir ou le sacre de la lumière Il y a 179 ans naissait Auguste Renoir, figure emblématique de l'impressionnisme, qui sut plus que tout autre transfigurer les sujets du quotidien par son traitement de la lumière et sa touche frémissante. « Vous arrivez dans la nature avec des théories, la nature flanque tout par terre. » Auguste Renoir Sensible aux atmosphères Renoir débute en décorant des céramiques. À Paris, il rencontre Monet et Sisley et devient rapidement l’un des artistes les plus en vue parmi les impressionnistes. Peintre de figures L’artiste invente un art qui parvient à concilier modernité et retour à un certain classicisme. Scènes galantes Auguste Renoir, comme bien d’autres artistes du mouvement impressionniste, était un fervent admirateur de Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), le peintre des fêtes galantes. Habité par la lumière Peintre à la production importante, Renoir demeure productif jusqu’à la fin de sa vie avec plus de 4 000 toiles répertoriées à ce jour.
Le jeu dans l’art Le jeu dans l’art est une thématique vivante et qui permet aux artistes de montrer leur art ainsi que leur manière d’en jouer ! Dans l’Egypte antique le Senet était un jeu pratiqué à l’époque par les nobles, jeu qui signifie « le passage ». dans le royaume d’Osiris. Ceux qui pratiquaient le Senet jouaient leur destin dans les parties. Néfertari jouant au senet. Les Grecs sont de grands joueurs comme le montrent les Jeux Olympiques. Chez les romains, les jeux perdurent. Les plus anciennes cartes à jouer connues sont d’origine chinoise et apparurent durant la dynastie Tang (618-907) au moment où le format des livres passe du rouleau à la feuille. Manuscrit (VIe-VIIe siècle)Krishna et Radha jouant au chaturanga Roman du chevalier Cifar. Il y a comme une mise en abyme du jeu dans cette enluminure. Le 3 avril 1369, le roi Charles V promulgue une ordonnance singulière, qui prétend interdire aux sujets de son royaume la pratique de tous les jeux. Jacques de Cessoles, Le Jeu des échez moralisé.
Peinture de lumière : l'art du vitrail selon Chagall Marc Chagall fut un des plus grands créateurs de vitraux du XXe siècle. L’exposition du Centre Pompidou Metz, présentée jusqu'au 30 août, entend faire le point sur cette facette essentielle de son génie. C’est seulement au début des années 1950 que Chagall, déjà soixantenaire et de longue date reconnu comme un artiste majeur du siècle, fait ses premiers pas dans le domaine du vitrail. Le vitrail, une membrane vivante D’une façon générale, tous ses vitraux vont se référer à la Bible dont il est imprégné depuis l’enfance, au point qu’il pourra dire un jour : « Je ne voyais pas la Bible, je la rêvais ». La chatoyance des couleurs Mais le premier ensemble de grande ampleur est celui qu’il réalise à la cathédrale de Metz, entre 1959 et 1968. Pour cela, il recourt à la vieille technique médiévale du verre plaqué, ou doublé, et en développe les possibilités. Le défi de Jérusalem Transcender l’espace
Les prothèses dans l’art contemporain Les prothèses dans l’art contemporain Les prothèses, appareils et appareillages en tous genres ont pénétré dans l’art contemporain avec ce qu’ils ont de ludique, de terrifiant et de mystérieux. L’homme cherche-t-il a devenir de plus en plus performant avec ces prothèses ou alors ces oeuvres ne montrent-elles pas les limites du corps humain ? Les prothèses ne sont-elles pas aussi le témoignage, la preuve des horreurs passées de la guerre ? Volonté de puissance ou tout simplement souffrance, la prothèse est paradoxale et ambiguë. Raoul Hausmann réalise un assemblage, L’esprit de notre temps en 1920 (bois et matériaux divers 32,5x21x20cm), qui montre un visage avec des objets collés dessus. Marcel Duchamp, dans « En prévision du bras cassé » expose une pelle qui peut évoquer une prothèse. Otto Dix, dans les joueurs de Skat, 1920, montre les ravages de la guerre sur les soldats. Philippe Ramette défie l’horizon avec sa boîte-lunettes. Didier Faustino Michael Burton, Nanotopia, 2006.