Qui suis-je – Anne d'Autruche Anne d’Autruche, artiste et créatrice à forte latitude, s’empare de différents espaces toile, mur, mobilier, pour laisser libre cours à son imaginaire et son talent. Chacune de ses œuvres est investie d’un geste décalé et élégant qui transfigure le quotidien. Anne d’Autruche est à la « Maison des Artistes ». Son atelier est situé à Jossigny à 35km de Paris (Seine &Marne). Elle conçoit, transforme et réalise pour vous au gré de son imaginaire un univers créatif au style inclassable. Eclosion en pleine « Beatlemania ». Etudes classiques. Un diplôme de « Publicitaire Etalagiste » obtenu à la chambre de commerce de Paris. Petit à petit au fil du temps, l’oiseau se fabrique son nid en dehors des dogmes et des écoles. Un premier atelier dans Paris. Chemin faisant elle s’émancipe, sa création donne place à un univers intriguant fait de matières nouvelles, où des cuirs de poissons, de crapauds nous révèlent son monde imaginaire.
Marc Chagall, La Paix (vitrail) – Écri'turbulente Ce vitrail est dédié à la mémoire de Dag Hammarskjöld (*) et ses compagnons tombés en service dans un accident d’avion le 17 septembre 1961. C’est un don de Marc Chagall et du STAFF des Nations Unies ; il est intitulé : La Paix et a été inauguré le 17 septembre 1964. Ce vitrail de Chagall évoque tout entier la vision du prophète Isaïe sur la PAIX messianique. Il conviendrait donc, loupe à la main, de faire l’inventaire de tous les éléments qu’il contient et de les identifier en référence au texte d’Isaïe. On peut y distinguer deux parties : à gauche, dans un univers pacifié, les hommes et les animaux semblent saluer l’avènement de la paix universelle, à droite, la foule de l’humanité se presse au pied de la croix. Le prophète Isaïe inspirateur de l’ensemble y est en bonne place et de grande taille (ce qui pour Chagall indique l’importance du personnage). L’artiste a créé, en outre, à … Le jeu des 7 erreurs — oOo — (*) Dag Hammarskjöld Né à Jönköping, en Suède. WordPress: J'aime chargement…
Franz Marc / August Macke. L'aventure du Cavalier bleu 1880 8 février : naissance de Franz Moritz Wilhelm Marc à Munich en Bavière. 1887 3 janvier : naissance d’August Robert Ludwig Macke à Meschede en Rhénanie-du-Nord-Westphalie. 1896 Âgé de trente ans, Wassily Kandinsky s’installe à Munich et décide de se consacrer à la peinture. 1897 Macke est scolarisé au Kreuzgymnasium de Cologne. 1900 Marc effectue son service militaire. 1901 À Munich, Kandinsky fonde le groupe Phalanx. 1903 Mai-juin : Marc se rend à Paris où il visite le Louvre et se familiarise avec la peinture impressionniste, avant de séjourner en Bretagne et en Normandie. 1904 Marc s’installe à Schwabing et a son propre atelier. 1905 Marc rencontre les peintres Marie Schnür et Maria Franck, respectivement ses première et secondeépouses. 1906 Josef Brakl ouvre la Moderne Galerie à Munich. 1907 Picasso peint Les Demoiselles d’Avignon. 1908 Wilhelm Worringer publie Abstraktion und Einfühlung [abstraction et einfühlung] chez Piper à Munich. 1924 Exposition posthume de Macke à Krefeld.
Bogdan Konopka « Un conte polonais » .. Bogdan Konopka « Un conte polonais » — FOLIA On the strength of his technical skills, Konopka states in his images a plastic and formal universe leaning against the trends : his black and white photographs, realized in a dark room then printed by contact shows his work on grey ranges, characteristic of his artworks. « Photographer in the very best sense of the word, exploring the limits of the tool he choosed, he invits us to really watch, to go along with him to get not a photographic portrait of Poland – that would be, as always, pointless -, but to share the portrait of his Poland, the one he draws at the rate of his experiences, but never affirmed, never imposed. » Christian Caujolle, introduction of «Un conte polonais», éditions Delpire. À travers une vision singulière et intime d’un pays, de son pays, Bogdan Konopka interroge la quête humaine et universelle de l’appartenance à un territoire et à son histoire.
Sur la peinture de Chagall, réflexions d'un sociologue II s'ensuit que toute œuvre qui exprime de manière adéquate un contenu cohérent représente une valeur pour qui la voit, la lit ou l'entend ; c'est ce que nous appelons valeur esthétique — il s'ensuit, en outre, que tout groupe social, orienté vers une organisation globale de la société, tend à élaborer une vision cohérente du monde, qui, étant donné que les innombrables distorsions individuelles s'annulent les unes les autres, est mieux réalisée et, par cela, plus facile à saisir dans le groupe que chez la plupart de ses membres pris individuellement. De plus, même une étude proprement technique des moyens d'expression ne saurait avoir de valeur que dans la mesure où elle se fonde sur une analyse sociologique du contenu, le véritable problème esthétique n'étant pas de savoir quels sont les moyens techniques employés par l'artiste mais bien, et surtout, pourquoi ces moyens sont les plus adéquats your exprimer sa propre vision du monde. 1.
Chagall, écrits, Ecriture(s) | CIELAM, Centre interdisciplinaire d’étude des littératures d’Aix-Marseille, EA4235 La critique d’art utilise fréquemment des termes qui renvoient à l’analyse littéraire ; on parle de l’alphabet d’un peintre, de sa grammaire, de sa syntaxe ; ce sont des termes que l’on pourrait employer largement à propos de l’oeuvre de Chagall. Or elle est bien plus souvent associée à l’idée de « poésie » mais de manière assez floue. De fait, elle entretient un rapport étonnant avec écriture et littérature ; nous essayerons ici d’indiquer rapidement quelques possibilités de recherche , en nous attachant à l’écriture dans les tableaux de Chagall, puis à l’écriture de Marc et Bella Chagall dans leurs textes publiés, enfin – très succinctement – à l’image de Chagall dans les poèmes que lui dédient Apollinaire, Cendrars, Aragon, et dans le roman de Chaïm Potok : Je m'appelle Asher Lev. L’écriture dans les tableaux de Chagall Marc Chagall, L’Entrée du cimetière de Vitebsk, 1917 L’écriture que Chagall rencontre dans le shtetl, il l’intègre et l’exalte. L’écriture des Chagall Mais aussi :
Utilisation du PapierArt du collage montage assemblage En art le papier était principalement utilisé pour le dessin et la gravure. Mais le développement des arts plastiques a rapidement permis au papier de devenir une matière qui à un rôle dans la composition de l’œuvre en collant ce papier sur un support. Les feuilles de papiers servent de support mais aussi comme éléments du collage. Pour Bernard Mandeville le Papier lui est apparu comme une révélation « J’ai commencé » (le collage) parce que un jour dans une librairie, j ai vu des gens qui vendaient tout un paquet de buvards en solde parce qu’ils étaient abîmé ». On peut distinguer les papiers trouvés, les papiers dit maison, les papiers achetés. Papiers trouvés : Notre société produits des montagnes de papiers qui finissent en général au recyclage. Les magazines sont une vraie mine d’or l’artiste du collage ne s intéresse pas vraiment au contenu littéraire du magazine, ni aux publicités. Papier froissé : Le numérique devient matière à collage assemblage.
9 règles de composition à connaitre absolument — Fabien Beilhe Vos photos sont nettes et correctement exposées mais vous sentez qu’il manque quelque chose pour qu’elles soient uniques. Et si vous vous penchiez sur la composition de vos images ? Si vous n’avez jamais entendu parler de cette notion, la composition se définit comme l’organisation des éléments à l'intérieur du cadre. La composition est parfois négligée par certains photographes alors que c'est un paramètre déterminant. Même s'il existe de multiples façons de composer une photo, il est intéressant de s'appuyer sur certains principes ou règles de composition. Dans cet article, je vous présente les principales règles de composition à connaître pour donner de la force à vos photos. 1. Imaginez que le cadre est divisé en 9 segments égaux par 2 lignes verticales et 2 lignes horizontales. C'est certainement le principe de composition le plus célèbre et le plus simple à mettre en œuvre. 2. 3. La photo ci-dessous est un bon exemple de l'utilisation des lignes. 4. 5. 6. 6. 8. 9.
Vitraux contemporains Basilique romane de Conques Soulages à Conques (atelier Fleury) 104 vitraux Cathédrale de Nevers Claude Viallat à la cathédrale de Nevers Traces écrites a écrit:Soufflées par un bombardement des Alliés en juillet 1944, les 130 baies, représentent pas moins que 1052 m2. Église Saint Symphorien, Haimps, Charente-Maritime Travail de gravure de verres plaqués par sablage. Centre intercomporain du vitrail, Chartres Eglise de Salagon Abbatiale Saint-Gildas-des-Bois – Loire-Atlantique Olivier Juteau a réalisé quatorze baies, pour une surface totale de vingt-quatre mètres carrés et un poids de cristal de trois tonnes et demie. "Aucune trace de couleur n'apparaît et tout effet chromatique est donc déterminé par la lumière extérieure et intérieure, les frondaisons, les nuages, le temps qu'il fait" Église Saint-Léger - Oisilly
Peindre la nuit | Centre Pompidou Metz La nuit se retrouve au cœur de débats actuels, qu’ils soient sociétaux (faut-il ouvrir les magasins la nuit ou la consacrer au sommeil ?), écologiques (comment limiter la pollution lumineuse qui nous empêche de voir les étoiles ou qui dérègle la vie animale ?), politiques (nuit debout, traversées clandestines de frontières) ou scientifiques (on repousse sans cesse notre connaissance de la nuit). Ce monde de la nuit, avec tous ses questionnements, est omniprésent chez les artistes, notamment depuis la fin du XIXe siècle. La nuit a évolué et nous a transformés, à travers des révolutions majeures comme l’électrification et l’éclairage, la psychanalyse ou la conquête spatiale : autant de bouleversements dans la définition et le rapport que l’on entretient avec la nuit. Source d’inspiration majeure de l’histoire de l’art, la nuit demeure aujourd’hui encore un terrain d’expériences fécond.
Du spirituel dans l’art du XXe siècle 1 Conservateur au musée Georges Pompidou, C. Grenier est également un des auteurs de l’exposition Tra (...) 1La temporalité des Archives de Sciences sociales des religions n’est pas celle des expositions parisiennes, aussi le propos n’est-il pas de réagir à chaud sur une manifestation qui a suscité de multiples débats au printemps 2008, mais de l’inscrire dans un courant plus large de regards portés sur l’art contemporain. Traces d’une exposition... d’une certaine manière, à travers le monumental catalogue de plus de quatre cent cinquante pages qui fera date dans la réflexion sur le sujet, mais aussi dans les réactions parallèles que forment, dans des genres certes bien distincts, la réédition, accompagnée d’inédits, de textes parus dans la revue Art Press sur ce thème, ou la présentation en un volume de cent vingt-six pages, riche de nombreuses reproductions d’œuvres, de treize artistes actuels, réunis par une commune interrogation sur les « Épreuves du mystère ».
Wassily Kandinsky - Du Spirituel dans l'Art - Zani Résumé – Du Spirituel dans l’Art est le plaidoyer de Kandinsky pour un art d’un genre nouveau : celui, abstrait, qui s’éloigne enfin d’une imitation figurative de la Nature, ou de l’art pour l’art, et devient le langage pour accéder à l’âme. Ainsi l’art peut il transformer l’homme et le monde. L’art ne se doit plus d’être ‘esthétique’ et n’est bon que lorsqu’il s’adresse et a accès à l’âme. « La création d’une œuvre, c’est la création du monde. » Kandinsky représente la vie spirituelle comme un triangle cheminant lentement mais sûrement vers le haut. « Ce qui n’est aujourd’hui intelligible que pour la pointe extrême, et n’est pour le reste du Triangle qu’élucubrations incompréhensibles, sera demain, pour la seconde section, le contenu chargé d’émotion et de signification de sa vie spirituelle. En peinture, comme dans les autres arts, « est beau ce qui procède d’une nécessité intérieure de l’âme. L’artiste est à la fois libre et responsable : libre car « l’art fuit devant le ‘il faut’.
"Du spirituel dans l'art, et dans la peinture en particulier" par Kandinsky Wassili Kandinski est célèbre pour ses peintures, mais son oeuvre écrite est d’autant plus passionnante qu’elle est l’origine et la raison d’être de son travail pictural. C’est une lecture immanquable pour tous les artistes, amateurs comme professionnels. Wassili Kandinsky Kandinski est né en 1866 à Moscou dans une famille aisée et cultivée. Ce sont les œuvres de Monet exposées à Moscou en 1895 qui provoquent en lui une révélation, car après avoir étudié le droit, il décide à l’âge de 30 ans d’intégrer l’Académie des Beaux-arts de Munich. Son travail est fortement inspiré des oeuvres impressionnistes et ce n’est que vers les années 1910 que l’abstraction se fait ressentir fortement au sein de sa peinture. Sa théorie artistique avant-gardiste fait de lui un des précurseurs de l’art abstrait, il devient alors l’artiste de la « nécessité intérieure », prônant le rôle primordial de la spiritualité dans la création artistique. « Une oeuvre d’art n’est pas belle, plaisante, agréable. Généralités
L'Impressionnisme - Biographie de William TURNER Ses aquarelles de voyage, publiées à partir de 1826 dans "The Keepsake" (un de ces annuaires, alors très prisés de la bourgeoisie, mêlant oeuvres littéraires et artistiques), et dans des recueils de gravures sur acier ou sur cuivre, "The Turner's Annual Tour", édités à partir de 1831, le firent connaître et apprécier de la société anglaise. Toutefois, l'évolution de sa peinture à l'huile, étonnament moderne, ne fut pas comprise par la majorité de ses contemporains qui parlèrent des délires de Turner. La vie et l'oeuvre de Joseph Mallord William A partir de 1796, Turner exposera chaque année des tableaux à l'huile à la Royal Academy, principalement des sujets historiques représentés dans des paysages fantastiques et sublimés, dans un style proche de celui des peintres du 17ième et 18ième. Turner connaîtra très jeune le succès et l'aisance, et jouira d'une immense réputation, étant élu académicien titulaire à vingt-sept ans.